Crítica Blu-Ray: Amadeus (Milos Forman)

Juan 3:30 Es necesario que él crezca, pero que yo mengüe. 

Amadeus es un drama que se toma muchas libertades sobre la vida de Mozart (Tom Hulce) y su relación con su némesis, Antonio Salieri (tremendo y gigante F. Murray Abraham), para expresar una visión sobre el artista y de cómo el arte es algo tan hermoso y bello que pueda ser considerado como una manifestación divina o de Dios. La rivalidad con Salieri no viene explícita desde un comienzo, sino que la transformación se va dando por la frustración de este al no poder componer con la brillantez que hace Mozart.

Esto me hace recordar mucho a la relación de Jesucristo-Juan el Bautista. El Bautista era considerado un santo e incluso por algunos como el mismo  mesías, desmintiendo eso por él mismo cuando todavía faltaba lo mejor por venir. Juan era el profeta que vaticinaba el regreso del Salvador de Israel y el mundo. Claro, perdiendo con esto el interés mediático que iba a suceder, ya que con la llegada de Jesús, el papel del Bautista sería relegado a un segundo plano. Papel que muy gustoso (o eso parece)  el profeta aceptó.

Con Amedus la cosa cambia. Salieri es como aquel papel importante más no principal de anunciar la llegada de la estrella más brillante del firmamento. Pero él no quería ser el anunciante, Salieri deseaba ser la mismísima estrella. Al no poder cumplir sus objetivos y que las súplicas a Dios no resultaron efectivas, decidió empedrar y dificultar el paso de Mozart por esta Tierra. Y con eso vengarse también de Dios por no escogerlo a él también. Hay una secuencia buenísima (sino perfecta) donde con un plano picado Milos Forman toma a un crucifijo quemándose y en contrapicado a Salieri mostrando su “temporal” brillantez.  La cosa curiosa, es que, como Salieri era el principal, sino acaso el único capaz de apreciar la belleza de la música de Mozart a todo su esplendor, en la extinción de la luz del probablemente mejor músico que la historia haya conocido, también la luz de Salieri se apagó.

Ese es el hilo conductor de la historia. Dentro de otra trama secundaria que se desarrolla, está la relación entre Mozart y su esposa Constanza. Mientras que Mozart representa ese amor al arte, ese dejarlo todo por la creación definitiva artística, Constanza (Elizabeth Berridge) va del lado de la practicidad al ser la responsable porque la familia tenga que comer. Siempre pensando con que su marido pueda encontrar un trabajo bien remunerado y constante, se anima incluso a adulterar para lograr esa seguridad. La analogía con el estilo familiar predominante actual es notoria y parece ser para dar constancia de la dificultad de un artista para mantenerse a flote dentro de un mundo tan “práctico”. Incluso para alguien como Mozart.

Por otro lado. ¿Es acaso el arte una expresión de Dios? ¿De Su existencia? No es en vano el nombre Amedus que en latín podría traducirse como Amado por Dios. También esta frase es muy repetida durante el film para expresar el talento de Mozart, pequeño y lujurioso hombrecillo según Salieri. Se entiende que Dios escoge personas que podrías considerar “inapropiadas” para llevar su genialidad  o mandatos (recordemos a Gedeón o Jacob) pero que por alguna razón, este los ha seleccionado.

Creo que hay papeles o roles en este mundo. Hay unos que les tocó ser Jesucristo, otros como Juan el Bautista, unos como David Rey de Israel, otros como Jonathan. Unos Mozart, otros Salieri. Parece ser que gracias al libre albedrío podemos tomar la decisión de tomar ese papel con gusto o rebelarnos, pero el punto central de Amadeus indica que no deberías gimotear de nuestro destino, sino podremos pagar las consecuencias de esta rebeldía. Y por eso, es tan grande el guión de esta cinta porque impregna una verdad universal que a medio  mundo (o al menos yo) se ha preguntado alguna vez. ¿Cuál es mi papel en este mundo?

Veredicto: Excelente; brillante. Aunque algo larga (3 horas) y que disminuye y perjudica el ritmo.

Buscando a “Rebeca”

Existe en la Biblia una historia en Génesis 24 que me gusta mucho acerca del hijo de Abraham (el padre de las creencias judías, cristianas e islámicas) Isaac y como su padre le quiere buscar esposa. La historia comienza cuando Abraham le pide a su siervo, que actualmente se le denomina mayordomo o criado o incluso la típica chacha, que vaya a la tierra de donde él nació porque le preocupa muchísimo que su hijo Isaac no se haya casado a esas alturas de su vida. Además de esto, le pide prometer al mayordomo que no irá a la tierra de Canaán porque de allí no encontrará mujeres que comparta sus mismas creencias.

Pues el mayordomo va, todo dudoso y temeroso si acaso podrá encontrar la mujer para el hijo de su amo y le pide a Dios que le de una prueba para que tenga la certeza de saber a quien escoger de entre todas las mujeres de ese lugar. Y esta serie de versículos que resume y se me hace harto divertido porque exhibe la desesperación del siervo por tomar la decisión correcta:

¹⁰Luego tomó diez camellos de su amo, y toda clase de regalos, y partió hacia la ciudad de Najor en Aram Najarayin.^[a]11 Allí hizo que los camellos se arrodillaran junto al pozo de agua que estaba en las afueras de la ciudad. Caía la tarde, que es cuando las mujeres salen a buscar agua.¹² Entonces comenzó a orar: «Señor, Dios de mi amo Abraham, te ruego que hoy me vaya bien, y que demuestres el amor que le tienes a mi amo.¹³ Aquí me tienes, a la espera junto a la fuente, mientras las jóvenes de esta ciudad vienen a sacar agua.¹⁴ Permite que la joven a quien le diga: “Por favor, baje usted su cántaro para que tome yo un poco de agua” , y que me conteste: “Tome usted, y además les daré agua a sus camellos” , sea la que tú has elegido para tu siervo Isaac. Así estaré seguro de que tú has demostrado el amor que le tienes a mi amo.»

Y el resultado es este:

¹⁵Aún no había terminado de orar cuando vio que se acercaba Rebeca, con su cántaro al hombro. Rebeca era hija de Betuel, que a su vez era hijo de Milca y Najor, el hermano de Abraham.¹⁶ La joven era muy hermosa, y además virgen, pues no había tenido relaciones sexuales con ningún hombre. Bajó hacia la fuente y llenó su cántaro. Ya se preparaba para subir¹⁷ cuando el criado corrió a su encuentro y le dijo:

—¿Podría usted darme un poco de agua de su cántaro?
¹⁸ —Sírvase, mi señor —le respondió.

Y en seguida bajó el cántaro y, sosteniéndolo entre sus manos, le dio de beber.
¹⁹ Cuando ya el criado había bebido, ella le dijo:

—Voy también a sacar agua para que sus camellos beban todo lo que quieran.
²⁰ De inmediato vació su cántaro en el bebedero, y volvió corriendo al pozo para buscar más agua, repitiendo la acción hasta que hubo suficiente agua para todos los camellos.²¹ Mientras tanto, el criado de Abraham la observaba en silencio, para ver si el Señor había coronado su viaje con el éxito.

Maravilloso. Aplicándolo en mi vida, y como yo se que no tengo ni creo que tendré un mayordomo bajo mi cargo (en caso de lo tuviera, se llamaría Alfred, claro está) si le pidiera al Señor alguna señal para encontrar al amor de mi vida sería la siguiente.

1. Que sea hermosa para mis ojos (bueno, esto va implícito).
2. Que dijera que es fanática o conocedara de películas de Luis Buñuel.
   

Buñuel en estado de gracia. Como casi siempre.

Si, así tal cual, la mujer que me guste y que comparta mi pasión por Buñuel creo que sería la indicada.

Porque creo que Buñuel fue un GENIO. Así, con mayúsculas y negritas. Hasta le vería la gracia que me “conquistara” con tono irónico  que “Soy atea, gracias a Dios”.

Es gracioso en mi opinión. El mejor director que ha tenido México y dirigido películas en este país fue español. Nacionalizado mexicano claro, pero que tuvo que nacer en otra parte. A pesar de que cierto director quiera compararse con él o con su película más conocida.

Buñuel, creo que ha sido el único que me ha mantenido hipnotizado en todas las películas que he visto de él. Me ha pasado en ciertos pedazos y ciertas cintas como Apocalypse Now de Francis Ford Coppola, Lost Highway y los capítulos de Twin Peaks de David Lynch o con algunas secuencias (para ser honesto, casi todas) de Magnolia y There Will Be Blood de Paul Thomas Anderson. Así como también Fight Club o The Social Network de David Fincher.

Pensándolo bien, si le gustara además  PTA y/o David Fincher ya sería algo parecido como haber experimentado el Espíritu Santo. Pero volviendo a Buñuel. No puedo olvidar esas piernas inocentes bañadas en leche de la Meche en Los Olvidados. O los sueños de culpabilidad de Catherine Deneuve en Bella de día. O las secuencias hilarantes por lo raras del corto que lo dió a conocer en Un perro andaluz. Las referencias y críticas directas hacía el capitalismo en La ilusión viaja en tranvía. O el erotismo latente y reprimido en Ese estraño objeto del deseo. Y eso que me falta por ver Nazarín y Viridiana. Tal vez la más floja que he visionado ha sido Ensayo de un crímen, pero que más da, aún así tiene una calidad superior sobre la media del cine mexicano y de habla hispana.

Seguramente, así como Jesucristo está sentado a la derecha del Padre, Buñuel podría estar a su izquierda, críticando y siendo “una piedra en el zapato”. Pero una piedra deliciosa. Que se disfruta por el masoquismo que se siente en ella. Un ateo que no podía vivir sin Dios como leí en el especial de cine de Conozca Más. Que lo cuestionaba y examinaba sin escrúpulos pero que lo hacía de forma tan elegante y preciosa, que un cristiano como yo no puede evitar admirar su talento.

Va por ti Rebeca y por Buñuel, que más gente debería saber de ti. Amén.

La chica del plano subjetivo picado.

Imagínsense un guión, muy típico, tan convencional como la mayoría de nuestra vida diaria. Una chica le gusta demasiado a un chico. La cosa curiosa en la historia es que ella es mayor que el chavo (aproximadamente por unos 6 o 7 años) con un hijo y viuda.  Friamente él piensa que la posibilidades de éxito son remotas por las circuntancias que los rodean. Pero esta chava tiene un magenitsmo que atrae al chico de manera tanto inexplicable como irremediable.

Al final, los deseos de compartir su corazón son tan grandes que se anima a hacerlo. Y por consecuente, recibe el rechazo.

Chico le gusta chica, pero chica no quiere a chico. Clásico.

Pero allí no acaba todo, ya que es tanto el interés de este hombre sin nombre por esta mujer que desea seguirle platicando para ser su amigo. Pasa el tiempo y cree que ha superado el deseo por la niña (niña en el sentido de que es mujer, hombre) y que puede platicar con ella sin problemas internos.

El climax de esto es que la chica cumplía años en una ocasión y este “galán” desea regalarle algo padre. Ni tan caro para no incomodar pero algo más que una simple felicitación. Y al momento de dárselo, imaginen esto:

INT – OFICINA – DÍA

El momento en que “chico” se anima a visitar a “chica” a su cubículo, la encuentra sentada y le da el regalo que le tenía preparado. Con tono dulce y cierto grado tímido o de nerviosismo, platican y e intercambian comentarios.

CHICA

No debíste haber molestado.

Nota: En esta escena se cambia a un plano subjetivo picado por parte del chico.

CHICO

Nombre, para nada. Es tu cumple y espero te la pases genial.

Chico le toca suavemente el hombro izquierdo, ambos se sonrién, el chico con más nerviosismo que de costumbre y este sale derrumbado mentalmente hacía afuera de la oficina.

Continua

Una escena que podría considerarse de lo más normal. A excepción de esa nota del Plano Subjetivo Picado. ¿Y que es un plano subjetivo Picado? Es un plano combinado donde lo subjetivo se refiere a donde la cámara toma el punto de vista del personaje, en este caso, el chico. Plano Picado es aquel donde la cámara mira hacía abajo el objeto que desea filmar. La combinación de eso es algo así como  esto:

Esto es cosa seria, se los aseguro. Ahora, quita al gato y pon a una mujer que en el contexto es alguién que te gusta montones y que creiste haber superado pero que con el simple hecho de mirarte de esa forma (no tan tierna como el gato, pero si con mucha dulzura) casi te desplomas por ella. Efecto sonoro mental: ¡PUM! Caes abatido. Un Damn sentimental.

Y eso fue lo que me ocurrió.

Al notar todavía la misma actitud de distancia que había llevado duranto todos esos meses, duele aún más esto. Molesta mucho porque algo que creías pasado vuelve a entrar con más intensidad o que cualquier mínima señal la exageres como un mensaje cifrado (Lo del código Da Vinci o cualquier novela de Dan Brown queda corto comparado con lo que pasa en este guión). Uno se da cuenta que cuando alguién te gusta lo suficiente o sientes una tracción demasiado fuerte, a pesar del cariño que le tengas, es muy complicado ser amigos. Y eso me pasa con esta chava. Duele, porque ese plano subjetivo picado fue letal.

Y pesar de que concientemente la historia del guión no es nada del otro mundo, cuando pones como prioridad tu punto de vista (subjetividad), la empatía con el personaje de la historia es irreversible.

Así que ya saben, el uso  del los planos es una herramienta poderosísima, sobre todo cuando sabes combinarlos y balancearlos. Como la vida me sigue enseñando.

Pensamientos sobre las nominaciones del Oscar 2011

Para ver las nominaciones completas pueden hacerlo aqui. A continuación, algunas consideraciones sobre los nominados de esta mañana para el Oscar de este año:

• ‘The King’s Speech‘ con 12 nominaciones. Carta firmada que lo más probable se quedará sin nada. A excepción, y creo que sería ya una injusticia lo contrario, de Colin Firth que lo merece desde hace años.
• Respecto a los nominados por mejor película, sin sorpresas, me alegro por Black Swan.
• Javier Bardem se coló en la categoría a Mejor Actor. Espero González Iñárritu esté satisfecho y no espere que gane.
• Todo lo contrario a Mejor Película Extranjera donde además de la representación mexicana, no he escuchado nada de las demás.
• Bombazo con la nominación de Jeremy Renner por Mejor Actor de Reparto. Parece ser que a los académicos les gusta postular a pasados nominados. Pero lo sangrante es lo siguiente ¿cómo fregados puede estar Mark Rufallo (The Kids are all right) en lugar de Andrew Garfield (The Social Network)? Mierda con eso.
• Nicole Kidman (Mejor Actriz) vuelve a las grandes ligas. Bien por ella . Espero se lo lleve Natalie Portman. Aunque las apuestas van mucho por Annette Bening.
• Uno de los mayores WTF de la lista. ¿Yo no entiendo como Christopher Nolan puede estar nominado en Mejor Guión original y no en mejor Director? ¡Es al revés señores! Por otro lado, bombazo la nominación de Darren Aronofsky. Merecido totalmente. Lo de David O. Russell se me hace sorpresa.
• ‘Mi Villano Favorito’ ignorada dentro de ‘Mejor Película Animada’. Bien. Cinta sobrevaloradísima por el público. Siento Toy Story 3 superior, pero ya chole con Pixar, que haya alternancia de vez en cuando y ‘Como entrenar a tu Dragon’ no sería mal ganador. Nada más faltaría ver The Illusionist de Sylvain Chomet que no había escuchado nada.
• LOL. ‘The Wolfman’ nominada en mejor maquillaje. Dios. Que mala película.
• Genial.Trent Reznor y Atticus Ross nominados para mejor música escrita para una película por ‘The Social Network’. El Score tiene verdaderas joyas. Espero ganen. ¡Quiero escuchar el discurso de Trent Reznor Oh si!
• Otro WTF mayúsculo. ¿Cómo es posible que una cosa tan normal como Iron Man 2 esté dentro de la lista de Mejores Efectos Visuales y no maravillas como ‘Scott Pilgrim vs. the World‘? El mundo sigo siendo muy injusto (y estúpido). Esta categoría se lo lleva Inception.
• Esto yo no entiendo. ¿Toy Story 3 en Mejor Guión Adaptado? ¿Por ser secuela o en que se basaron? ¿En alguna película o ser considerada remake de una cinta de carcel?
• Y Mike Leigh de nuevo nominado para Mejor Guión, en este caso, por ‘ Another Year‘. Ahora si, ¡que se lo den!

Dentro de lo que puedo opinar, la pelea de los premios gordos estará entre ‘The Social Network‘ y ‘The Black Swan‘. Maldición, no se por cual irle. El tercer y segundo mejor director de esta generación a mi modo de ver. Pero Fincher ya lleva más carrera.

Crítica Cineteca: Submarino

Puntuación: Excelente.

Submarino de Thomas Vinterberg (que me hice fan de él por Festen) trae en su última película la historia de dos hermanos que por el abuso de su madre alcohólica y tras la muerte de su hermano recién nacido, quedan marcados y deciden llevar una vida refugiados en la droga y el alcohol, que destruye su vida y de los que lo rodean, donde uno encuentra la muerte y el otro la redención.

Me gusta muchísimo el estilo de filmar de Vinterberg. Es modesto, sin grandes alardes usando adecuadamente en los momentos precisos tomas de primeros planos con la duración exacta y un ritmo adecuado para la historia. Pero a pesar de eso, creo que llegar a ese balance es muy difícil, sobretodo para nunca perder el hilo. Sobresale la actuación de Jakob Cedergren, dando vida al protagonista Nick Torp. Vinterberg lo trata con una delicadeza fenomenal. Son muy bellos los primeros planos que el director se toma el tiempo para filmar a su protagonista, para exhibir su frustración, su tristeza, toda la melancolía impresa en un plano de 15 segundos. Bellamente fotografiada por cierto, según la IMDB por Charlotte Bruus Christensen, que es el primer largo de esta señora. Excelente debut.

La edición me hizo reflexionar sobre las diferencias entre el género melodramático o trágico que es lo más cercano que esta película pudiera catalogarse, aparte del de autor. Los momentos de tensión o donde existe el mayor riesgo de abusar o manipular los sentimientos del público, el director los toma con mesura y huye de ellos para solamente mostrar lo necesario, entender la historia y seguir adelante. En el melodrama, o melodrama barato, la duración de un plano o una escena en momentos de tensión es muy larga, esto para lograr la empatía o el sentimiento que el director busca transmitir, generalmente por medio de la manipulación o lágrima fácil. Pero en está película, cuando llegaba una acción que desestabilizaba el relato, los planos se cortaban un poco después de algún momento de tensión o conflicto, evitando la exageración del personaje y por lo tanto la manipulación de los sentimientos. Comprendí, entonces esta enorme diferencia: planos cortos, bruscos para evitar el drama exagerado, sólo mostrando lo necesario. Pero, como todo, teniendo la sensibilidad de saber cuando cortar.

Paternidad solitaria, hermandad, los marginados y traumas de la niñez son lo temas mayormente tratados en este drama. Recuerdo a Biutiful donde se habla del tema de la paternidad y los inmigrantes, y González Iñárritu haciendo alarde de que él es quien hace evidencia de ellos. Bueno, tal vez en Submarino no sean los inmigrantes en si, pero si aquellos donde viven en un sub-mundo, una lastra de la sociedad que sólo puede verse si te sumerges a la miseria de esta vida.

La historia podría decirse que es muy simple. Los traumas o errores de la infancia (o del pasado) probablemente nos sentencien a una vida miserable, que puede acabar con la muerte (física o emocional)  o llevarnos a una salvación. Dos hermanos han sido marcados por el abuso de su madre alcohólica y por la muerte de su hermano más pequeño durante su cuidado. Elipsis hacía su adultez donde el protagónico, Nick, el hermano mayor, está viviendo en un tipo de refugio, tiene mala cara y mal carácter (y aparte mala leche) siendo palpable el tormento con el que ha vivido a lo largo de toda su vida destruyendo casi todo lo que rodea. Por el otro lado, su hermano menor, sin nombre conocido, está más hundido ya que es adicto a drogas que se inyecta diariamente y en ocasiones, para conseguir suministrarse de esta, se comporta como un verdadero hijodeputa. Lo único bueno de él (y de ambos hermanos en conjunto) es su hijo Martin, una dulzura de niño precoz porque a veces su padre se ve más muerto que un cadáver. Ambos (pero sobretodo el hermano menor), poco a poco, vemos como van destruyéndose hasta no quedar casi nada de ellos, sólo un poquito de esperanza simbolizada por Martin.

Ese mínimo de esperanza, está a veces reflejado en planos de escasísima luminosidad donde lo único que se ve es el rostro de Nick mayormente siendo iluminado por un cigarro. Bellísima imagen que a pesar de la oscuridad de nuestro alrededor, siempre puede haber una lucecita donde aferrarnos.

¡¡Esta fotografía es HERMOSA!!

Además del montaje en general de la película, donde no está ordenada linealmente, y para no ahondar tanto en el recurso para no arruinar el desenvolvimiento del relato, simplemente diré que lo deja a un rompecabezas de dos partes, pero que es muy gratificante cuando te das cuenta de la unión.

Veredicto: Excelente película, algo fuerte, pero donde se puede encontrar un poco de ilusión dentro de un mundo de mierda. Cuando realmente se tiene el deseo de olvidar y poder perdonar a si mismo, a pesar de las dificultades y lo miserable que la vida se puede tornar, siempre hay lugar para la esperanza y redención.

Crítica Cineteca: Los Olvidados

Puntuación: Obra Maestra y mucho más.

Volver a ver ‘Los Olvidados’ ha sido una experiencia por demás placentera. Mi mirada ha madurado, y luego de pasar por más películas de Buñuel (la primera vez que vi ‘Los Olvidados’ era la inaugural que veía de la filmografía de Buñuel) entiendo mucho mejor los conceptos que estuvo manejando a lo largo de su vida.

80 minutos, muy cortos en mi opinión, de cine social, con una técnica que ha envejecido demasiado, sobretodo por el montaje y las transiciones bruscas por el mal corte de los planos y en algunas ocasiones un mejor ensayo de la actuación pero que se ven combinados con una belleza inigualable de sus imágenes.

No deseo exagerar, pero en cierto sentido, el tema tan delicado y sucio que maneja el equipo de Buñuel se ve opacado por la forma, los planos e intenso cuidado de la cámara que el español nacionalizado mexicano emplea de una forma genial. Un genio en estado puro.

La historia se centraliza en Pedro (Alfonso Mejía), que busca sobretodo el cariño de su madre al igual que sus semejantes para subsistir en un ambiente hostil como es la pobreza extrema en una colonia de la ciudad de México, donde el robo y el abandono de niños es alarmante por su abundancia.

Pedro simboliza el quiero y no puedo de no sólo la infancia mexicana sino también podría considerar la mundial. Desea amor, cariño y respeto pero a cambio recibe malos tratos y rencor por parte de su madre. Su propósito, sobrevivir y ser alguien de provecho para ayudar a su familia. Por contraparte, tenemos a, creo yo fácilmente, uno de los mejores villanos jamás creados no sólo del cine mexicano sino mundial. Me refiero al temible e hijodeputa ‘El Jaibo’ inmortalizado por Roberto Cobo.

El Jaibo es la representación del ‘sálvese quien pueda, pero primero yo sobretodos’ en el que robar y asesinar es parte de su naturaleza. El propósito: Al igual que Pedro, sobrevivir. Lo acompaña un puñado de infantes que representan el estereotipo de la pobreza mexicana. Lo que más miedo o tristeza puede dar según el caso, es la admiración y la subordinación que estos le tienen a la figura de ‘El Jaibo’. Pedro sobretodo, pero que a como transcurre la película, vemos su transformación en el enfrentamiento con el líder de la banda de estos jóvenes delincuentes impuestos por la mano del destino por el simple hecho de nacer en un lugar que nadie le interesa.

Durante el la travesía y transformación de Pedro, con un guión ágil y brillantemente bien estructurado, algunas de las secuencias más hermosas que haya visto en mi vida pasan en pantalla. Ejemplos tales como el baño de leche en las piernas de la inocente (¿Lolita?) Meche (Alma Delia Fuentes) profundizada con un traveling , es de absoluto éxtasis. Otros son como el primer sueño de Pedro después de ser ignorado por su madre y haber atestiguado la muerte de Julián. En este caso en particular, me puse a pensar la diferencia de Buñuel con otros surrealistas en el cine. A diferencia de otro grande, por ejemplo David Lynch para no irnos tan lejos (que hace un trabajo admirable en casi todo lo que hace) lo que identifica a Buñuel es que la representación de los sueños en sus películas es muy parecida a lo que nuestro subconsciente nos transmite mientras dormimos. Es decir, la similitud entre lo que soñamos y lo que Buñuel exhibe en pantalla, es tan cercano que creo yo esa es la razón de la fuerza en sus imágenes. La identificación casi total de nuestros pensamientos oníricos sobre la pantalla grande y por lo tanto, de su comprensión.

Un uso tal del lenguaje cinematográfico como cuando ‘El Jaibo’ le pregunta a la madre de Pedro por su esposo y ella le dice que ‘murió hace cinco años’ mientras se interpone el plano de su más reciente hija de apenas unos cuantos meses, nos da a entender de la naturaleza de la mujer. Y por lo tanto, justificada totalmente dentro del relato el encuentro de ambos mostrado de forma muy certera al contemplar sus miradas y el respectivo cierre de la puerta, claro, inducido tal vez más por la censura de la época pero que no deja caer la inteligencia con la que fue tratada.

Y de estas muchas imágenes y escenas más, como la rebeldía de los niños en el carrusel, el diálogo entre el ministerial y la mamá de Pedro que le indaga sobre su conducta a su hijo o la magistral escena sin diálogo del pederasta casi por llevare a Pedro (wow!), demuestra la genialidad absoluta de este cineasta pocas veces vistos en la historia del arte. No sólo como cineasta, ni como surrealista, Buñuel fue uno de los mejores artistas en general de todo el siglo XX.

Sobre el final y la polarización principal del discurso de la historia, esta vida es cruel, incluso para aquellos que desean hacer las cosas bien. Triste, pero verosímil en el relato, no explotado, sino una combinación de crueldad y ternura muy bien equilibrado. La infancia y juventud debería ser tratada con ternura y comprensión y no con mano de hierro o rencor por nuestros errores del pasado.

Veredicto: Obra Maestra de uno de los mayores artistas que el cine ha dado. Luis Buñuel me hizo reflexionar y sobretodo maravillarme por lo alarmantemente bello de su manejo de la cámara, los planos y su imagen. Es curioso, como un tema tan escabroso puede ser tratado de manera tan hermosa, que sólo Buñuel pudo hacerlo.

La peores películas que vi durante el 2010.

Como toda lista, subjetiva y personal, pero que incluyo no sólo todo lo malo técnicamente hablando sino, aquello que me decepcionó conforme a las expectativas que tenía. Aquí considero todo lo que vi en un Cine, ya sea cartelera comercial o alguna muestra de la Cineteca de Monterrey.

10. Robin Hood: Me esperaba mucho más de la dupla Ridley Scott y Russell Crowe. Sobretodo por la declaraciones del director británico (que desde Gladiador no saca algo arriba de lo que valga la pena, a excepción, a secas, de American Gangster) que esta sería algo asi como ‘The Ultimate Edition’ de Robin Hood. Sólo Max Von Sydow y algo de Cate Blanchet la salvan de la quema.

9. Lovely Bones: Esto fue una decepción. Me esparaba muchísimo más de Peter Jackson, pero ese tono rosa y cursi le quita la pasión y el impacto que muy bien estava llevando en el planteo e inicio del desarrollo del relato. Eso si, el montaje paralelo de la muerte de Susie junto con la cena familiar es de 10 junto con la impresionante interpretación de Stanley Tucci. Gigante el oriundo neoyorkino.

8. Clash of the Titans: Aburrida y desperdicio de tiempo. Lo peor es que según Sam Worthington esta haciendo caso a las críticas de los fans para su secuela, al igual que comentó con Terminator Salvation. Me pregunto si algún día hará algo más por si mismo que pensando en los demás.

7. From Paris with Love: Me esperaba algo mejor despúes de lo visto en Taken. Pero resultó ser un producto predescible y aburrido con montaje aceleradísimo sin sentido. Odio que abusen de ese recurso, de verdad. Me cae bien Travolta, pero se nota que no lo asesoran bien al momento de elegir producciones.

Absolutamente nada que ver. Muy triste.

6. Law Abiding Citizen: Fumadísima y exagerada. Gerard Butler no da el quite para ser la estrella de acción de esta generación.

5. Daybreakers: Lo peor de ver esta película fue invitar a un amigo que hace muchísimo tiempo que no iba al cine. Creo que nunca más volverá a ver algo que yo escoja. Aburrida y triste, sobretodo por el potencial que tenia, un mundo de vampiros combinado con sci-fi.

4. Edge of Darkness: Demasiado yarayara (como dirían en Seinfeld) y muy poca acción. Y me refiero al avance de la trama. Actuaciones que rozaban el ridículo (me sorprendió Danny Huston, me esperaba más de él) y que Ray Winstone no se sabe para que está allí. Espero que el señor Gibson mejore muchísmo para el esperadísimo estreno de The Beaver.

3. Precious: Sobrevaloradísima película donde lo única que cuenta es darle en la torre a la chica “preciosa”. El colmo fue al enterarse que tenía SIDA. Hombre, mejor ya también que se le atravise un bloqueo y balacera. O a lo mejor todavía no estaban de moda en ese entonces. Aunque como bien dice DiezMartinez en su blog, la secuencia final del monólogo de Mo’nique está genial.

2. Resident Evil AfterLife: Aquí mi amigo me la devolvió cuando lo llevé a ver DayBreakers. Milla Jokovich está guapísima y como dijo un colega, está más alla del bien y el mal, pero en serio, no soporté sus primeros planos grabándose a si misma con esa voz semi-aguardentosa. No señor, así no se vale. Sólo por el basquetbolista matón y el buen de Wentworth Miller que me cae bien, lo pude aguantar.

1. Y el sitio de honor es para aquella película que me hizo  entirme triste después de su visionado. Triste porque esparaba más. Triste por el director que estaba detrás de la obra. Triste por los actores. Triste por saber que en este mundo existan cosas así. Estoy hablando de Alicia en el País de las Maravillas de Tim Burton. En serio, la vida es aún más injusta con este tipo de producciones. Sólo Helan Bonham Carter, en parte el diseño de producción, evidentemente burtoniano y lo guapa que me resultó Mia Wasikowska (así son mis gustos) pude no sentirme tan desdichado. Lo peor, este tipo de cosas recaudan más que masterpieces como The Dark Knight.

Mia Wasikowska

Crítica Extranjera: Scott Pilgrim vs The World (Scott Pilgrim contra el mundo)

Puntuación:

• ¾ de película: Brillante y casi obra maestra.
• Último ¼ final: Decepción de proporciones cósmicas.

Es una verdadera pena el recorrido que ha tenido la última película de Edgar Wright en cuanto a la taquilla. Una película de 60 millones de dólares sobrepasando apenas los 20 en recaudación. Y digo esto porque la película basada en el cómic de Bryan Lee O’Malley es una brisa de aire fresco y aroma dulce dentro de lo que podría llamar popcorn culture movie style. O algo así.

Lo que me refiero es que, a pesar de estar adaptado de otra fuente artística (y si, considero a los cómics un arte, no todos claro, pero algunos si que lo son) como medio audiovisual tiene un estilo realmente original y que me atrevo a decir que no se había visto hasta ahora.

Las deficiencias del filme son realmente notorias, sobretodo por uno que ya ha leído (y es realmente fan) el cómic. A pesar de eso, uno se puede preguntar el porque de las cosas que el querido Scott Pilgrim hace en la película.

El guión que es una sucesión de hechos que lleva al personaje interpretado por Michael Cera de un lado a otro en un movimiento constante y un ritmo aceleradísimo, demasiado que puede llegar a perder el hilo. En cuanto a la actuación de éste, cabe decir que logra un trabajo excelente. Realmente excelente. Puede afectar mi percepción que me esperaba poco de él, pero se despega de lo que generalmente uno ya conoce como un personaje “como Michale Cera”. Encierra esa ineptitud e ingenuidad acerca de cómo ve las cosas y como slacker y hipster que puede considerarse. Al final, Cera crea un Scott desconsiderado, egoísta pero que no lo percibimos como mala persona sino que por su candidez y buen corazón se aprecia como alguien más estúpido. Si, estúpido pero que cae muy bien.

Otro crack de la película fue Kieran Culkin como el amigo gay de Scott,

Wallace Wells. Tiene un carisma tremendo que llena en pantalla cada vez que hace presencia. Ojala siga tendiendo apariciones de ese tipo en otras producciones, aunque con roles más protagónicos. Sólo me quejo un poco del papel desempeñado por la bellísima para mi gusto Mary Elizabeth Winstead como Ramona, la chica de los sueños de Scott. Se que tiene que tener una actitud más liberal o incluso alivianada pero no llegar a los niveles apáticos con los que se caracterizó en la cinta. Hasta parece que le daba flojera hablar.

El guión recrea un ritmo demasiado acelerado como no sólo para entender la historia de la cinta, que se hace pero a secas, pero que no termina por hacernos entender o aceptar la vida de Scott y sus amigos que lo rodean. Al final, la premisa de que nos exhiben es esta: Scott se enamora de Ramona Flowers, pero que para poder estar a su lado, necesita no sólo pelar sino vencer a cada uno de sus ex-novios con los que ha estado hasta ese momento.  Pero pelear literalmente.

Y he aquí el gran acierto y disfrute de la cinta. Que a pesar de su guión secuencial y extremadamente rapidísimo y que evita seguirlo con atención o afecto, la dirección de Edgar Wright es brillante, con gran sentido de tacto y con unas peleas realmente espectaculares que sólo por eso que ya vale la entrada de la película. Si, las peleas estilo Mortal Kombat, Street Figther o Killer Instict estan brillantemente bien adaptadas.

Lo digo de esta forma. Si Scott Pilgrim fuera una adaptación directa de un videojuego, sería la mejor game adaptation movie ever. (La mejor película adaptada de un videojuego de la historia). Así de simple.

La pelea de Scott con cada una de los Evil-exes es una combinación de sabor, golosinas, colores brillantes, emoción y nostalgia ochentera y  un tributo a todos aquellos juegos de 8 bits, que como yo, se llevaron mi infancia. Y creo que la de Edgar Wright también. Sobretodo la pelea con el primer exes hindú, el Vegan (vegetariano) con poderes místicos Todd Ingram y la contienda (sin ningún diálogo de ellos, una verdadera pena), contra los gemelos malvados.

La película estaba siendo una verdadera gozada hasta esa batalla cuando llegan las secuencias finales y el enfrentamiento contra el último ex. Una pasada y error monumental de proporciones cósmicas. Y exagero un poco porque la película, a pesar de sus defectos evidentes llevaba el listón bastante alto pero que con ese final tan ñoño, tonto y sin sentido me causo una decepción total. Y no digo porque no terminara igual que el cómic, sino porque algunas cosas además de revolverlas mal, no crean una coherencia entre lo que pasa y lo que uno entiende que debería ser. Una pelea entre Knives Chau (novia de Scott al inicio de la cinta) y Ramona no tiene sentido alguna para ese metraje da la película.

Me pregunto si acaso ver pelear directamente a un novio/pretendiente con cada uno de los exes de la chica de tus sueños se aprecia diferente en un cómic que en una película. No se si por la “falta de seriedad” del primero se hace más difícil concebirlo en el segundo, pero lo que si queda claro en el cómic que fallo en la película fue dar a entender las batallas de Scott vs los exes es una metáfora.

O’Malley cuenta la historia de siempre acerca del chico que conoce y desea conquistar chicas, aderezado con homenajes y características de animes, videojuegos de 8-bits, una gran ambientación Indie pero que mete un elemento vital y que se me hace raro no haberlo visto antes. Que es el de pelear contra los recuerdos de tu pareja.

Lo siento Scott, pero no fue así

“We all have baggage” es una frase que le suelta Ramona a Scott. Y es totalmente cierto en la mayoría de las veces. Cuando andas con una chica (y lo digo así por ser yo el hombre), se establece un duelo en su mente para saber si andar contigo vale la pena. Te empieza a comparar, la mayoría de las veces inconcientemente, con sus exnovios. Y esa es la batalla que hay que ganar, de demostrar que uno es mejor que todas sus relaciones anteriores, sino, no valdría la pena seguir. Y el creador del cómic da en el clavo totalmente al ubicar esa batalla en un plano real y vivo. Y repitiendo, combinado con bastantes influencias que nos han rodeado a lo largo de los últimos 25 años.

Y tengo que reconocerlo, mucho del discurso del cómic se pierde en la película. Siento que Edgar Wright ve esto como un homenaje a los juegos que el se pasó frente al televisor en su infancia y que ejecuta realmente bien, se nota el amor en cada plano, pero que deja a un lado lo que Scott Pilgrim realmente significa: el paso de la inocencia o indiferencia a la vida hacía la madurez. Y en la película, se ve plasmado de forma muy superficial e incoherente.

Lástima. Esta cinta pudo ser una obra maestra de la pop culture y LA película de esta generación (como en su tiempo lo fue The Breakfast Club en los 80’s y High Fidelity o Fight Club en los 90’s o este siglo), pero se quedo en mero homenaje de una época que muchos recuerdan con cariño.

Aún así, como producto de entretenimiento se lleva un 10.

Veredicto: Película fallida de Edgar Wright que tiene las mejores secuencias de acción y peleas del año (con permiso del “hotel sin gravedad” de Inception, pero esa es sólo una secuencia) y que vale totalmente el boleto. Olviden un poco la historia. Sumérjanse en los chistes y las escenas de acción. Sus sentidos se los agradecerán.

Ciclo de cine Capilla Alfonsina: Dennis Hopper

Fue una lástima la perdida de Dennis Hopper hace apenas unas semanas por culpa del cancer. De cualquier manera que haya sido su vida, el legado de Hopper en el cine quedó marcado.

Creo por eso que la Capilla Alfonsina se animó a realizar un ciclo de su filmografía, ya tanto de las que dirigó como las que partició y fue pieza fundamental de la película.

Empezando este 11 de agosto hasta el 13 de octubre, se podrá optar por cualquiera de las opciones que el ciclo maneja.

Aquí les dejo el anuncio para que lo aprecien mejor.

Yo me animaré a ver la de Easy Rider, película donde él y Jack Nicholson representan a una nueva generación harta de la política de ese tiempo, además de lanzarlos al estrellato casi de manera instantanea.

Es gratis, lamentablemente el horario no ayuda mucho, 11 am y 6 de la tarde. Pero de igual forma vale la pena ir a uno.

Posters Favoritos 4/agosto/2010: Miral, I’m still here, Catfish y Sucker Punch

Miral es la nueva película de Julian Schnabel, famoso por la bella La escafandra y la mariposa, donde el protagónico absoluto se lo lleva (o eso parece) Freida Pinto. Curiosamente, en el cartel la belleza facial de Pinto sale a relucir, cuando en su pais natal de India, ya por el simple hecho de ser morena, se le considera una chica promedio o hasta fea.

De igual  forma, cualquier película de Schnabel es esperada, donde parece ser que esta historia se desarrollará en un instituto educativo u orfanato. Tiempo al tiempo.

El siguiente es el documental acerca de la desaparicón de Joaquin Phoenix del cine para iniciar su carrera como músico de rap.

I’m Still Here

Esto huele más a Mockumentary que registro del excéntrico periodo del talentoso actor que parece está tirando por la borda mucho de lo que ha creado, pero la cara de valemadrismo del Phoenix en este cartel no tiene precio. Una verdadera joya.

Por el contrario, el poster de la siguiente película si es el de de un verdadero documental, y según dicen por allí, es de los buenos. Trata acerca de las relaciones de internet y de como un chico que conoció a una chica por medio del facebook, se conocen en la vida real.

Catfish

Aunque como el slogan del cartel afirma, no dejes que nadie te cuente lo que es. Supongo que querrán decir que mejor lo veamos.

Ya por último, este banner que no creo que encuentres en los cines, me gustó sobre todo por el robot bunny face.

Creo que así puedo llamarlo.

Es la última película de Zack Snyder despúes del fracaso de Watchmen. Sucker Punch se estrena hasta el 2011, pero ya la están empezando a promocionar fuerte.

Denle click en la imagen para verlo como las féminas mandan.

I’m Still Here