Crítica: District 9 (Sector 9)

Start Version: Sci-fi docudramático que pone de manifiesto los límites en lo que la naturaleza humana puede llegar y haciendo una analogía entre las diferentes razas o géneros humanos, pero haciendo esto con una metáfora entre personas y…aliens. Película recomendadísima.

El concepto de Distric 9 es a la par muy original (aunque me dicen que hay semejanza entre esta y una titulada Alien Nation) tanto en su forma como en su fondo. Por un lado la narración estilo docudrama (o mokudrama, como se les entienda) da una visión más realista o cercana a la situación que los personajes están viviendo y se complementa perfectamente con el tema del relato: el trato indiscriminado o segregado que reciben los que no son humanos, los extraterrestres o langostinos.

El director, Neill Blomkamp, situa en Johannesburgo, capital de Sudáfrica (donde se desarrollará el Mundial de 2010), esta historia de discriminaicón interplanteria, y queriéndolo o no, creando una referencia obligada al apartheid.

Los alienígenas o langostinos, son tratados de forma, válgame la paradoja, inhumana, en situaciones de vida precarias (sin servicios de agua, luz, vivienda de aluminio, etc), siendo considerados un lastre para la sociedad. Y es aquí donde yo veo uno de los mayores huecos del guión.

Me resulta, casi incomprensible, creer que pueda resultar verosimil un mundo donde una nave extraterrestre se situe dentro de nuestra atmósfera y no se venga algo al estilo de una hecatombe mundial. ¿Dejarle la responsabilidad a los africanos de encargarse de un asunto de tal calibre? Si…claro.

Explorar o jugar con el género sci-fi es un terreno altamente difícil y algo en que el director Blomkamp se notó su novatez. Y esta razón se debe más a que el género de ciencia ficción es más un pretexto para relucir un drama social que tanto hemos visto. Pero hay que aceptarlo, en esta combinación yace la originalidad de la propuesta del director sudafricano.

Al ser esta obra un docudrama esperamos que sea grabado “en vivo” con cámara en mano y con la ya esperada “volatilidad de la cámara”. Pero en esta cinta llega a momentos extremos en que no se ve nada o pasa tan rápido que desespera al ojo expectador. Pienso yo que si acaso esto fuera un documental real y serio, ya hubieran despedido al camarógrafo (tomen como ejemplo los Docus de Werner Herzog y su calidad).

¿Y cómo es posible que una película con esos fallos técnicos tan evidentes y una dirección que se nota a millas que es primeriza pueda ser tan buena, entretenida e incluso dejar satisfecho a un cinéfilo de hueso colorado? Porque tiene mucho, mucho corazón.

Se nota, no sólo a kilómetros, leguas, el amor que el director tuvo al momento de realizar la película, además de querer mostar algo mundo con una visión difente. Y no sólo Neill Blomkamp le tuvo cariño a este proyecto, siento yo que cada uno de los involucrados, y el actor principal, Sharlto Copley, como bandera del mismo.

Hablando del actor que encarna al personaje principal, Wikus Van De Merwe, este es toda una revelación. Su actuación de reservado, distraido, hogareño y discrminador al incio de la película va transfromándose con el transcurso del metraje para convertirse en una persona fuerte debido a la situación límite que se encuentra, que busca su supervivencia y de aquellas que considera justas. Lo más sobresaliente de todo es que lo hace de una forma muy creíble. Yo realmente empatizé con su personaje, ya que logró plasmar esa deseseperación por conseguir su objetivo y proyectarse de tal forma que pienso yo, logró conectarse con todo el público.

Otro de los aspectos sobresalientes de la cinta son su montaje y su soundtrack. Primeramente, por estar ambientada en África, no podían faltar los ritmos y las percuciones tan potentes de su música. Además, el montaje al estilo documental y televisivo-periodístico le da un toque, además de realismo, de vértigo por saber completamente que está pasando en el Sector 9 y sus alrededores. La combinación de ambos hace que está película obtenga un ritmo tan espectacular que NUNCA aburra en toda el tiempo que dura.

Agreguemos lo anterior con la actuación del protagonista principal y tenemos un historia que nos sumerge dentro del mismo Sector 9 y que solamente queremos salir de él.

Los langostinos están bien diseñados, pero nada sobresaliente, cumplen a secas. Pero lo que me agrada de esto y que Blomkamp sabe usar con maestría, es que seres de otro planeta, que no consideramos humanos, puedan transmitir sentimientos, ahora sobradamente dicho, universales sólo con el uso excelente de primeros planos y la proyección de sus ojos. Nos reflejas sus emociones, desde odio y terror hasta miedo y esperanza. Eso es lo que llamo hablar con las ventanas del alma.

Al final de cuentas, como buen melodroma, esta historia es muy simple. Dos seres vivos en el universo tiene la necesidad de vivir, la necesidad de estar en el lugar que aman, y que sólo uno de ellos podría lograr.

Es curioso como Blomkamp logra transmitir que algunos aliens son más humanos que los mismos terrícolas. Al final, tal vez el concepto de alma, espíritu o simplemente sentimientos, es algo más que una idea humana y y distrubido a lo largo de cualquier criatura viviente del Cosmos.

El amor, según lo transmite District 9, no es humano, sino universal.

P.S. Si quieren ver el cortometraje del mismo director que inspira a toda la idea detrás de District 9 lo pueden hacer ahora:

Crítica: Inglorious Basterds (Bastardos sin Gloria)

Start Version: La mejor película producida de lo que va del año, y no me tiembla la lengua al decirlo. Como al mejor estilo Tarantino, diálogos hilarantes con secuencias igual de extravagantes que hacen pasar un momento totalmente genial. Sólo comete el pecado del exceso del desarrollo de las escenas y su ritmo cortante entre los planos.

“El cine constituye una posibilidad de abandono para la población civil, que no se ha sabido apreciar bastante. Por otra parte, un inmenso campo de acción se abre a los filmes alemanes en todos los países europeos. El filme alemán se encuentra frente a la posibilidad única de contribuir al trabajo de la formación política en el mejor sentido de la palabra.”

Joseph Goebbels, discurso pronunciado el 9 de febrero de 1934.

Esta película venía con la fama de ser la mejor cinta de Tarantino desde Pulp Fiction, a no ser porque entre ese intervalo realizó “otra” obra maestra.

¿Pero merece esta película tales calificativos? La respuesta es un claro SI. La última cinta del buen de Quentin está sobrada y abundante del buen cine. Desde su fotografía exquisita (que filmaron en el contiene Europeo) y un ritmo dividio en capitulos (como otra película suya) y lineal (a diferencia de Pulp Fiction), con unas actuaciones soberbias, de todos los integrantes, hasta un guión lleno de referencias cinematográficas.

Porque esta cinta demuestra que Tarantino sólo tiene un amor en este planeta y ese es el séptimo arte. La Segunda Guerra Mundial es sólo el escenario o el ambiente donde se desarrolla la historia para ensalzar y decir que el cine es el salvador del mundo. Literalmente hablando.

Esta película es inmensamente sensorial. Alejada por completo del clasicismo y melodrama del cine bélico ambientado en la WWII, esta cinta es la versión Hard Rock de ese lapso de la historia.

El argumento es simple. La eliminación de los judíos está en su apogeo pero a la vez, existe un grupo mercenario, llamados Los Bastardos, contratado para eliminar a la mayor cantidad de nazis posibles. Una exterminación por otra, claro, con su respectivas ventajas y diferencias. Y existe otro ingrediente que se mezcla dentro de este buffet de sensaciones que hará que el camino de los Basterds contra los nazis se vuelva aún más interesante. Y esto es la vengaza de una chica judía que desea ver arder a la mayor cantidad de alemanes posibles. Y estas tres corrientes se unen en un final tan hilarante como romántico, en un cine francés (justamente donde el cine se conoció por primera vez) que representará el mismísimo infierno de las pesadillas de Dante.

Venganza, cine, arte, historia, fantasía, todo esto es la mezcolanza que surge de la mente del oriundo de Tennessee, para satisfacernos por 2 horas y medio del mejor espectáculo del año (hasta ahora).

Lo que más deseo destacar de este film, es que pienso que esta es la película de Tarantino con mejores actuaciones hasta ahora. Todos, absolutamente cada uno de los integrantes de esta historia sacada de la mente del director de Perros de Reserva, tienen una razón y un porque están allí. Yo al inicio del rodaje de esta cinta cuando se seleccionaban los elementos del casting no creí nunca que fuera un buen ensamble de actores. Muchos desconocidos y pensaba yo totalmente fuera de lugar en este tipo de historia. Pero que equivocado estaba y que razón tenía Taratino para escogerlos. Desde Eli Roth que está magnífico como ese sanguinario exterminador de nazis, pasando por la bellísima, Mélanie Laurent como la herida y sedienta de venganza Shosanna Dreyfus, siguiendo con el carismático Brad Pitt como Aldo Raine (un tipo de Alter ego del mismo Tarantino) y asi cada uno de los actores que forman todo su conjunto.

Pero hay uno que sobresale ante los demás y que para quien escribe, es la clave del éxito y del buen momento que pasa uno al estar frente a esta película: Christoph Waltz o mejor conocido dentro del universo Tarantino, Col. Hans Landa.

Waltz, que en estas tierras es un total desconocido, pero en Austria y Alemania es un reconocido histrión en televisión y teatro, se pasa y se lleva totalmente todos los reflectores cuando sale en pantalla. Puede cambiar desde  un hombre realmente educado, refinado, con un gran dominio de los idiomas (en la cinta pudo pronunciar 4 tipos de lenguas diferentes con una fluidez sensacional), hasta un sanguinario, traicionero, cínico y asesino y hacerlo con una naturalidad que sorprende y hasta asusta. Parece como si hubiera nacido para este personaje. Es como “el Joker de la cinta“, con sus obvias diferencias claro.

No exagero que Waltz es el alma de la película, y que sin él, Bastardos sin gloria hubiera sido un entretenido producto para pasar un momento agradable y olvidable. Tal vez ni eso. Y siento merecidísimo su galardón como mejor actor en el pasado Festival de Cannes y pronostico su participación en la terna de Actores de Reparto en la próxima edición de los Oscars.

Recomiendo Inglorious Basterds porque es una cinta tan adictiva como un buen café o un excelente chocolate. Me encanta porque demuestra el poder de las imágenes para atraer de nuevo a la gente y no recordar, sino volver a vivir esa sensación al momento de visionar sus planos. Allí me di cuenta que uno no regresa al cine para volver a ver a un personaje escuchar decir una línea de diálogo, sino los gestos o acciones que hace para demostrar algo.

Tal vez a algunos no les guste por su largas secuencias repletas de diálogos, y en parte tiene razón, el cine es imagen y no letra, pero Tarantino demuestra con maestría el manejo de los tiempos que cuando despues de tanto dialecto se llega al climax, te sobrepasa una sensación de alivio y a la vez de exaltación. Como si descargaras todos tus sentimientos despúes de tanto tiempo tenerlos guardados. Pienso yo que su error, es el extraño manejo de las secuencias de los planos, cortando el ritmo como para no darnos tregua al momento de mirar su obra y estar siempre atentos o despiertos. Algo que no me agradó porque la película pierde algo de unidad al tiempo de que transcurren los minutos.

Tarantino empezó a imaginar el desarrollo de esta historia desde 1998, afirmando que sería su más grande película. Y como el mismo Aldo Reines afirma al acto de marcar a un nazi -“I think this might just be my masterpiece” (“Pienso que esto podría ser mi obra maestra”)- Tarantino siente que esta podría ser la buena. Pero con todo respeto señor Tarantino, pero este humilde servidor cree que se adelantó unos cuantos años porque Kill Bill 2 salió hace tiempo atrás.

Y eso ya es dificil de superar.

P.S. Si quieren ver un divertido video de “El orgullo de la Nación” la película que el personaje de Goebbels dentro de ‘Bastardos sin Gloria’ exhibe para alzar el poder ario, lo pueden hacer aquí y aquí. Comentar que fue dirigido por Eli Roth, el mismo que Hostal, todo un ejemplo de “meta-cine”.

Esta es LA FOTOGRAFÍA: Buñuel & Co.

No creo que despúes de ver esta imagen haya más que decir. Tanto talento (aunque para ese entonces ya hayan pasado lo mejor de sus épocas) reunido en torno a un genio no sólo de la cinematografía, sino del arte en general.

De izquierda a derecha, arriba tenemos: Robert Mulligan, William Wyler, George Cukor, Robert Wise, Jean-Claude Carrière y Serge Silberman; abajo: Billy Wilder, George Stevens Jr., Luis Buñuel, Alfred Hitchcock y Rouben Mamoulian.

Admiración, respeto, nostalgia, tantos sentimientos encontrados al ver solamente una imagen. Juzguen por ustedes mismos y aprécienla, critíquenla, obsérvenla, adórenla. No hay cabida para las palabras en este lugar.

Pero por si quieren saber que pasó en ese desayuno, puden leer un fragmento que el mismo Buñuel escribió acerca de ese momento, obtenido de su libro Mi último suspiro, esto por cortesía de 39 escalones.

“No regresé a Los Ángeles hasta 1972, con motivo de la presentación en el festival de El discreto encanto de la burguesía (…). Un día, recibí de George Cukor una invitación a comer, invitación extraordinaria, pues no le conocía. Invitaba también a Serge Silberman y Jean-Claude Carrière, que estaban conmigo, y a mi hijo Rafael, que vive en Los Ángeles. Irían también, nos decía, “varios amigos”.

Fue una comida extraordinaria. Llegados los primeros a la magnífica mansión de Cukor, que nos recibió calurosamente, vimos entrar, medio llevado por una especie de esclavo negro provisto de poderosos músculos, a un viejo espectro vacilante, con un parche en el ojo, a quien reconocí como John Ford. Nunca habíamos coincidido. Con gran sorpresa por mi parte, pues creía que ignoraba hasta mi existencia, se sentó a mi lado en un sofá y dijo alegrarse de mi regreso a Hollywood. Me anunció, incluso, que preparaba una película -a big western-, cuando habría de morir pocos meses después.

En este momento de la conversación, oímos el arrastrarse de unos pasos sobre el parquet. Me volví. Hitchcock entraba en la sala, todo rechoncho y sonrosado, y se dirigía a mí con los brazos extendidos. Tampoco le conocía personalmente, pero sabía que en varias ocasiones había cantado públicamente mis alabanzas. Se sentó junto a mí y, luego, exigió estar a mi izquierda durante la comida. Con un brazo pasado sobre mis hombros, casi echado sobre mí, no cesaba de hablar de su bodega, de su régimen (comía muy poco) y, sobre todo, de la pierna cortada de Tristana: “¡Ah, esa pierna…!”

Llegaron luego William Wyler, Billy Wilder, George Stevens, Rouben Mamoulian, Robert Wise y un director mucho más joven, Robert Mulligan (…). Se celebraba en mi honor una extraña reunión de fantasmas que nunca se habían encontrado así reunidos y que hablan todos de los good old days, de los buenos tiempos. De Ben-Hur a West Side Story, de Some like it hot a Notorious, de Stagecoach a Giant, cuántas películas alrededor de aquella mesa…

Después de la comida, alguien tuvo la idea de llamar a un fotógrafo de prensa para que tomase el retrato de familia (…). Desgraciadamente, John Ford no figura en ella. Su esclavo negro había ido a buscarlo en medio de la comida. Nos dijo débilmente adiós y se marchó para no volver a vernos más, tropezando con las mesas.

En el transcurso de la comida se hicieron varios brindis. George Stevens, en particular, levantó su copa “por lo que, pese a nuestras diferencias de origen y creencias, nos reúne alrededor de esta mesa”.

Yo me levanté y acepté brindar con él, pero, siempre receloso de la solidaridad cultural, con la que siempre se cuenta demasiado, “bebo -dije- pero me quedan mis dudas”.

Al día siguiente, Fritz Lang me invitó a visitarlo a su casa. Demasiado fatigado, no había podido asistir a la comida celebrada en casa de Cukor. Yo tenía entonces setenta y dos años. Fritz Lang rebasaba los ochenta.

Nos veíamos por primera vez. Charlamos durante una hora, y tuve tiempo de decirle el decisivo papel que sus películas habían ejercido en la elección de mi vida. Luego, antes de separarnos -y ello no entra dentro de mis costumbres-, le pedí que me dedicase una fotografía.

Bastante sorprendido, buscó una y me la firmó. Pero era una fotografía de su vejez. Le pregunté si no tendría, además, una fotografía de los años veinte, de la época de Der müde Tod y de Metropolis.

Encontró una y escribió una magnífica dedicatoria. Luego, me despedí de él y regresé al hotel.

No sé muy bien qué hice de esas fotografías. Una se la di al cineasta mexicano Arturo Ripstein. La otra debe de estar en alguna parte”.

Pósters Matutinos: The Lovely Bones y Toy Story 3

Empezando el dia con carteles publicitarios de un par de películas que darán mucho de que hablar los próximos meses.

El primero de ellos es The Lovely Bones, la próxima película del sobrevalorado Peter Jackson, basada en el libro homónimo de Alice Sebold, que va por todas el 7 de marzo del próximo año para la 82° entrega de los Oscars.

La cinta tiene como argumento de una adolescente (interpretada por la bellísima Saoirse Ronan) que fue asesinada pero que una vez que está al otro lado de la muerte o “El Cielo” puede ver o vigilar a su familia, tanto como a su asesino. Esta tiene que decidir entre satisfacer su deseo de venganza contra el hombre que la alejo de sus seres amados o ayudar a estos a pasar el dolor que sufrrieron con su pérdida.

No se si han visto el trailer, sino con este enlace pueden visionarlo. Compartiéndoles mi opinión del avance y de su complemento con el poster siento que esto tendrá el mismo tono y atmósfera que Más allá de los sueños (la película favorita de miles de mujeres). Pero espero que se quede hasta allí y nos den alguna sorpresa, con menos melodrama y más thiller o suspenso.

Según la IMDB, se estrena en México el 22 de enero de 2010. ¡Yeah, un día despúes de mi cumpleaños!

La siguiente galería de murales son para promocionar la secuela de una de las películas animadas más queridas de todos los tiempos. Por supuesto, estoy hablando de Toy Story 3.

Los pósters están individualizados por los personajes más carismáticos de la colección de protagonistas de esta maravillosa historia. Tenemos por supuesto a Woody y Buzz Lightyear, hasta el inocente Rex y sobre todo mi favorito, el práctico y lleno de sabiduria Hamm, el cerdito alcancía.

Recuerden, esta cinta se estrenará con la opción de verla en 3D, además de que sus precuelas, Toy Story y Toy Story 2 se estrenarán en ese mismo formato del 23 al 29 de octubre, y del 30 al 5 de noviembre, respectivamente.

Esta cinta la tendrán los gringos el 18 de junio del próximo año, y espero que sea simultáneo en nuestro pais.

Visto en: IMP Awards

Montajes divertidos: The Dark Knight vs Blade

El video que les expongo a continuación es nada más una muestra que lo que Final Cut o Adobe Premier pueden hacer.

Es solamente una edición muy bien hecha e imaginativa entre un enfrentamiento clásico de “Else Worlds” o los Amalgamas entre DC vs Marvel: Batman vs Blade.

Aclarar que esto no agarra planos y escenas de la última entrega del Hombre Murciélago, sino también de la anterior Batman Begins. En cuanto a Blade, no lo se, no he visto ninguna. ¿alguién puede diferenciarlo?

Visto en: Filmonic

Crítica: Surrogates (Identidad Sustituta)

Thriller Sci-fi que pone al extremo y con dedo acusador nuestra manía o adicción por Second Life y las Redes Sociales  entre otras. Lamentablemente se queda en el intento.

Tras conocerse en un chat, David Pollard y Amy Taylor se enamoraron y contrajeron matrimonio. Al ser aficionados a Second Life -mundo virtual donde puedes interactuar con otras personas a traves de avatars-, decidierón que también sería buena idea tener una boda cibernética. Todo iba bien hasta que Amy descubrió el avatar de su marido con una prostituta virtual, por lo que utilizando dinero del videojuego, contrató a un detective online que confirmó el romance, provocando el divorcio en el mundo real y en el electrónico. Actualmente Amy sale con otro hombre, al cual conoció en el juego de rol World of Warcraft.

Extracto del artículo de Luis Miguel Cruz de Cine Premiere #181 Pag. 75

La idea de Identidad Sustituta (traducción que le dieron al título de Surrogates, que literalmente significa Sustituto) es, en papel, muy interesante. Plantea el dilema de tener la oportunidad de ser o tener otra aersonalidad, sólo que ahora literalmente. ¿Como? Siendo sustituido por un robot que, siendo controlado desde nuestro hogar y mentalmente, relizará todas las actividades que deseemos.

Ellos serán nosotros y nosotros seremos ellos.

Aquí se pueden reflexionar bastantes cosas, como, mientras más dinero tengas o poseas, puedes conseguir un mejor sustituto y ser la persona que desees. O por ejemplo, cambiar por completo tu personalidad (o tal vez simplemente reflejar la verdadera, la que está en nuestro interior, pero que con nuestro cuerpo carnal no podemos hacer) hasta llegar al punto de cambiar nuestro sexo o género. Algo que vemos muy seguido en juegos virtuales como Second Life o World of Warcraft.

Desconocía el origen de esta obra, que está adaptada de un comic del mismo nombre, creado por Robert Venditti y Brett Weldele. No he leido el comic, espero hacerlo algún dia, pero referente a la adaptación cinematográfica, esta deja mucho que desear.

Por un lado, la crítica social hacía el uso desmedido de la tecnolgía está muy latente, pero revestido de situaciones melodrámaticas que no interesan o no hay empatía hacia los personajes.

Por un lado agradezco de las películas que duran menos de dos horas y que en ese tiempo puedan explicar una intereseante historia. Pero en esta cinta sucede justamente lo contrario. Su duración de 88 minutos (no entiendo porque la americana dura 104) hace que los sucesos del filmen pasen demasiado rápido y de una manera lineal sólamente para entretenernos y diluir más el discurso de la historia.

A pesar de todo señor Willis, sigue siendo un crack, sin o con peluca

El desarrollo de los protagonistas es casi nulo, ha excepción de Bruce Willis y Rosamund Pike, que es donde el creador quiso darnos esa empatía para identificarnos con ellos y por lo tanto con la historia, pero que no resulta porque lo hace tan plano como inversimil. Llega un punto en que uno de los protagonistas muere (en realidad varios, pero uno en especial) y en vez de que ese hecho resulte en un acto de dolor por la pérdida de esa persona, ocurre simplemente la indiferencia.

Al final, esta cinta acaba sólamente como un thiller en que se tiene que resolver un misterio y salvar a la humanidad. Algo tan simple, incluso para el buen señor Willis, que aqui funge como el policiía que intenta salvar a esa humanidad, incluyendo de sus personalidades robóticas.

CineBlogs que TIENES que ver: Cineralia

Un nuevo fin de semana y un nuevo blog que recomendar. En este caso uno de los más clásicos que han existido en la blogósfera regiomontana. Estoy hablando por supuesto de Cineralia.

Cineralia es un espacio que data desde el 2005 especialmente para hablar y reseñar películas que se estrenan en nuestra ciudad. Está manejado por Luis Luna, un colega muy apreciado por diversas razones.

Entre ellas está el de hacer de este espacio no sólo como uno que hable de noticias cinematográficas, sino como un espacio personal que exponga la relación entre su creador, Luis, y el cine. Mucho más personal y directo, recomiendo Cineralia por su estilo sincero y cercano al momento de hablar del séptimo arte. Uno ha conocido los desafios que el señor Luna ha pasado para ver como su sueño sólo ha podido de estar en su cabeza, a convertirse en alguimista y poder hacerlo realidad. Algo que se agadece porque comparte algo profundo de su vida para acercarnos más a su obra y a él mismo.

Desafortunadamente por un lado, Luis ha dejado de ir al cine o ya no publica sus críticas en su blog, pero el lado positivo es que ahora su espacio está dedicado para promocionar su ópera prima que ha logrado con mucho sudor y esfuerzo. Se llama José Tercero, pueden saber más de la película en dicho blog y que dentro de pronto les platicaré mucho mejor de ella.

Si desean visitar su sitio (que para eso escribo) pueden simplemente dar click en el enlace del inicio del artículo o con la siguiente imagen. Enjoy!

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CineBlogs que TIENES que ver: Cinefilux y KissKissBang!Bang!

Imágenes de The Beaver, la película con el guión más cotizado de Hollywood

The Beaver tiene como promoción principal que es la película con el mejor guión en lista de espera de todo Hollywood. La dicho lista, paradójicamente a los cánones culturales, se le titula The Black List (La Lista negra) y es casi seguro que sea un hitazo (no sabemos si económicamente hablando pero al menos en crítica parece que será la bomba) para quien la vaya a dirigir.

The Beaver, escrita por Kyle Killen, cuenta la historia cómica de cómo Walter, un hombre de familia y CEO de una empresa de juguetes, comienza a llevar una marioneta en forma de castor en su brazo y con la que comienza a hablar y expresarse a través de ella.

Lo interesante es que el personaje de Walter será interpretado por el siempre polémico Mel Gibson, que habrá usado de todas sus influencias para quedarse con el papel. Pero creo yo que el será un personaje secundario despúes de ver la siguiente imagen:

OMG

Yo, honestamente nunca creí que un castor de peluche tuviera una combinación tan…tierna y a la vez rezongona.

Para mi, la imagen de este peluche habla por si misma y refleja la actitud o el tono que el filme tendrá. Ya por eso quiero verla.

Se me hace difícil ver al señor Gibson en un film cómico-melodramático, más que nada por percibirlo por otros filmes que ha hecho y por los escándalos que ha tenido en su vida personal. Pero le daré el beneficio de la duda.

Otra de las cosas que no me da confianza para sea una película de éxito es que la estupenda actriz Jodie Foster realizará las labores de directora, terrenos que no ha tenido mucha suerte. ¿Y que ha hecho la Foster detrás de cámaras? Little Man Tate y Home for the Holidays ambas regularzonas. Supongo que con The Beaver desea entrar al selecto grupos de directores de renombre, pero el caso no es 100%seguro. Aunque como dicen, un buen guión se filma solito.

Aquí les dejo unas cuantas fotografías más, pero si tienen más ganas de ver al buen de Mel y su castor de peluche, pueden dirigirse a esta dirección para observarlas.

The Beaver tiene previsto a estrenarse en el 2011. Supongo que para Noviembre, diciembre de ese año, por eso de las fechas para ser tomada en cuenta en los Oscars.

Enlace: FirstShowing

Crítica: La Soledad

Start version: UN PELICULÓN CON LETRAS MAYÚSCULAS. Pero ojo, sólo para aquellos que han estudiado cine o sepan entender el lenguaje cinematográfico.

Es dificil catalogar esto como simplemente un experimento de gran calibre o considerarla la mejor película que se ha exhibido en la ciudad de lo que va del año. Pero La Soledad de Jaime Rosales no creo que deje indiferente a nadie que sepa apreciar el buen cine.

Esta película tiene como bandera o mayor característica la polivisión, que significa que la pantalla del cine se divide en dos para mostrarnos dos diferentes planos a la vez. Esto puede resultar rimbonbante o como simple anécdota experimental, pero el señor Rosales lo sabe usar con una maestría total para dejar, al menos a mi, pasmado del asombro.

La cinta narra las hsitorias paralelas de Julia y Antonia, dos mujeres que se encuentran aisladas por las circunstancias o conflictos que surgen a lo largo del metraje. Una por un lado, ajena totalmente a ella, es separada de su ser más amado por un acto de terror que no podía controlar, y la otra, una soledad desgarradora que se va acrecentando con el paso del tiempo debido a la indiferencia de los que la aman. O según la aman.

Así es como se ve en el cine, no es un montaje mio...

Lo verderamente meritorio, o dicho de otra mejor forma porque me estoy quedando corto, brutalmente fantástico es el manejo perfecto y total que tiene el señor Rosales del lenguaje cinematográfico. Merecidísimo su premio a Mejor director en los Goyas del 2008. Para empezar, con eso de la polivisión el montaje llega a unos niveles de maestría excepcionales, con unas escenas mayormente contadas en planos secuencias, la conjugación u orden de sus imágenes, los fuera-campo, las actuaciones, y sobre todo esos close-up paralelos o simultaneos son verdaderamente obras maestras llenos de tantos matices y niveles expresivos excepcionales.

Tal vez la película “cometa el pecado” de contar una historia con unos conflictos muy implícitos o poco expresados por los personajes, pero esta historia con el tipo de lenguaje planteado por el director, hace una combinación que sin exagerar merece ser llamado con todo respeto y total de la palabra, ARTE EN TODA SU EXPRESIÓN.

La actuación de Petra Martinez, la actriz que interpreta a Antonia, debería de ganar todos los premios habidos y por haber. Siento yo que su actuación es la “Bjork” del año, tal vez no llegue a lo niveles expresivos de la cantante islandesa en ‘Dancer in the Dark‘, pero la historia de Antonia llega a un climax tan calmado por fuera, pero interiormente tan explosivo y dramático como pocos he visto en mi vida. Así de intenso. Sugiero ver con atención el primer plano que tiene esta adorable actriz al momento de ir por primera vez a la casa de playa de su hija. Eso ya no es arte, es la vida misma, por Dios.

La cinta no es fácil de digerir, repito, sólo un conflicto se percibe o identifica fácilmente pero el raudal de emociones que transmiten todos el ensamble de actores de la cinta es total y muy variado, toda una combinación de sentimientos que afloran interiormente.

Recomiendo e imploro que todos los cinéfilos de corazón puedan ver esta película. Yo sentpia que ‘Let the Right One In’ era lo mejor que se estrenaba este año, pero La Soledad es una pieza que se repite cada cierto tiempo y pocas veces en la vida.

Para tenerla en tu colección de DVD’s. A ley.

Eeeeaaa: La película de Linterna Verde a rodarse en México

La verdad no soy fan de Linterna Verde, en realidad casi no soy ningún fan además de Batman, pero la noticia de que una super producción hollywoodense aterriza en tierras mexicanas asombra a más de uno.

Estoy hablando de Green Lantern o Linterna Verde que es como se conoce al heroe de DC en español.

Originalmente la cinta se iba a rodar en Australia, pero debido al aumento del dolar en este país, La Warner Brothers planea seriamente cambiar la locación de grabación hacía nuestro país. Según cálculos, si decidían quedarse en Australia, el costo de la producción aumentaría hasta 20 millones de dólares americanos más de lo planeado.

Exactamente no se sabe que que parte de nuestras tierras aztecas rodarán, pero tomando referencias anteriores, Dragon Ball se grabó en Durango mientras que Titanic (y pudo haber sido La Travesía del Viajero del Alba) en Baja California Sur, podemos tomar nota de donde esta mega producción podría albergar sus locaciones.

Para repasar, Green Latern es la historia de Hal Jordan, un ser humano sin miedo que se le encarga un anillo verde con poderes sobrehumanos. Hal Jordan será interpretado por Ryan Reynolds y está dirigida por Martin Campbell, el mismo que ha revivio al agente 007 en dos ocasiones. La primera con la ingeniosa y divertida GoldenEye y la segunda y hasta ahora la rejuvenecedora de una personaje que parecía destinado a morir, Casino Royale. Espero no sólo resurja, sino de mucho más que buen aliento al tercer heroe “popular” de la DC que llega a la pantalla grande despúes de Batman y Superman.

Se estrenará el 17 de junio de 2011 en USA y probablemente en México también.

Visto en: SuperHero Hype