Crítica de THE MAZE RUNNER (Correr o Morir): Historia bien contada pero con un protagonista sin gracia.

La curiosidad te adelanta sobre los demás. El deseo de saber más, de arriesgarte hace que sobresalgas sobre tu comunidad y seas relevante en ella, y en la historia de tu vida y la de los que te rodean. Pero ¿que pasa cuando el héroe de esa historia es alguien que proyecta muy poca gracia y llega a importar muy poco lo que haga? Ese es el principal problema de THE MAZE RUNNER de Wes Ball.

Banner de correr o morir

El Corredor del Laberito como se conoce en España la película, trata sobre una comunidad de adolescentes que viven en un territorio que esta encerrado por murallas que en realidad son un laberinto. Cada mes un elevador les trae provisiones y un nuevo miembro de la comunidad. La película tiene su punto de inflexión cuando dentro del elevador sale Thomas (interpretado por Dylan O’Brian), que en un inicio siente una curiosidad muy grande para saber de que se trata dicho laberinto. Lo que conduce que quiera adentrarse en él, conocerlo, superar sus peligros, y finalmente intentar sacar a todos sus amigos de allí.

La película comienza muy bien. Explicando las reglas del grupo, el porque no saben que están allí, lo que hay afuera, las distintas clases, el futuro antagonista del héroe y todo esto se va desarrollando de forma gradual, a muy buen ritmo y con buena expectación. El guión en ese aspecto es de fórmula, pero muy bien aplicada, que no es cualquier cosa. Además de la edición que lleva muy bien el tiempo del desarrollo de la historia.

El problema comienza cuando los puntos a atarse en el climax ya deben ser resueltos y allí, el peso que ha caído sobre Thomas no voy a decir que se desploma, pero simplemente pasa sin gracia.

The Maze Runner tiene a su protagonista como único hilo conductor, pero que lamentablemente es muy débil y plano.

correr o morir protagonistaNo es que sea mala la actuación, no quiero ser duro con ello. Creo que el guión y la dirección del director sobre el actor fue limitada. Faltaron detalles en su personificación, esos puntos donde vemos al héroe no tan plano, con problemas emocionales o que le impidan llevar a cabo su misión. En cambio Thomas parece que fue elegido por los dioses o creadores del laberinto en este caso, para escapar de allí de forma semi-automática.

Además el final simplemente te prepara para la siguiente película, no es concluyente en si. Parece ser hecho más para aquellos adolescentes que ya conocen la historia y deseaban verla en pantalla grande.

Además de los aspectos técnicos que mencioné arriba, creo que la dirección de Wes Ball es muy buena. Aunque tiene ese detalle muy limitante que como en muchas películas de acción las secuencias con mucho movimiento las filma muchas veces con medium shots/close ups (planos medios/primeros planos) y que además cuando muchas de estas son en exteriores en la noche, no se alcanzan a apreciar los movimientos y las peleas de forma clara y atrayente.

Otra cosa que me llamó la atención es que el primer muchacho de esa comunidad estuvo allí desde hace 3 años que comienza la historia de la película. Y los siguientes que llegaron por el elevador antes de Thomas siempre fueron hombres, adolescentes entre 14-18 años ¿nunca tuvieron otra necesidad que comer, dormir y jugar? Disculpen que esa observación en esta crítica pueda ser muy irrelevante o sugestiva, pero eso es cuestión de verosimilitud. A esa edad, yo lo se, ya dormir y comer no es suficiente. Y lo más extraño, siempre sin mujeres. Bueno.

Veredicto

Una película con una estructura bien montada, filmada con gran calidad, incluso los puntos de inflexión del guión están muy bien llevados, pero el desarrollo del protagonista, sus emociones, miedos, debilidades y posteriores fortalezas no ayudan a la empatía con Thomas, por lo que pierde fuerza para dejar una satisfacción completa.

Creo que vale la pena si tienes hijos entre 6 y 16 años y quieres pasar un buen rato en el cine (justamente donde la vi estaba lleno de infantes) pero no creo que la guardes mucho en tu corazón después de salir de la sala.

Foto de The Critic Sight

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Crítica de AMOR DE MIS AMORES de Manolo Caro: Mucho Diálogo, poco buen drama

Aprendí algo muy valioso con esta película. Un melodrama no es un género menor o “defectuoso” respecto a otros más serios o de mayor envergadura o entretenimiento. El problema aquí es que el melodrama no está basado tanto en acciones de los personajes y sus consecuencias, sino sobre todo en los diálogos de esos personajes donde reflexionan sobre su vida y tienen discusiones filosóficas sobre el amor. Lo siento, pero aquí si es aburrido.

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La película de Manolo Caro trata sobre Lucía (Sandra Echeverría) que se va a casar con Carlos cuando este regrese de Madrid con un amigo. Mientras eso sucede, Lucía va manejando su carro último modelo Alfa Romeo – que es una belleza la verdad – y atropella a otro cuate que estaba paseando en una bicicleta que se llama León (Sebastián Zurita) y se enamora de él al instante. Lo que no sabe es que León también se va a casar próximamente con su novia de toda la vida Ana (Marimar Vega). Y de allí comienzan los enredos.

Mucho Diálogo, poco buen drama que incite a la acción.

Como dije en un principio, el mayor problema son los diálogos constantes e interminables que reflexionan si la persona con la que se casarán será amor verdadero o si lo que sienten en ese momento es justo, correcto o simplemente es “andar de puta” como Lucía está reafirmando una y otra vez.

Leí hace poco que la película está basada en una puesta en escena del mismo director y entendí ya por fin el porque de esos diálogos infinitos. Para recordar, lo que funciona en teatro, donde el actor y los diálogos son lo fuerza motor para traspasar sentimientos a los espectadores presenciales, no necesariamente va a funcionar pasarla de la misma manera a la pantalla grande. En este caso, no funcionó.

La producción es excelente y algo que si es muy rescatable es que pienso que hay mucho y muy buen material entre los actores mexicanos. Me imagino que porque ya tenían la obra aprendida o Manolo Caro es muy buen director de actores, pero cada uno de ellos brillaron dentro de lo que pudieron en ese guión de teatro. Sobre todo la secuencia donde Lucía se topa con Ana, la que iba a ser esposa de León y se hace las reclamaciones pertinentes. La química entre ambas actrices desprenden un trozo de verdad emocional que hace que te duela realmente que a Ana le rompan el corazón. No es cualquier cosa expresar eso y es un gran logro para ambas actrices y el equipo en esa secuencia.

Además de algunas tomas y planos chistosos (unas monjas semi desnudas por ejemplo que si arrancó la risa de la sala, que está bien filmada porque se descubre por medio un travelling) pero la falta de ritmo casi da por muerta la película. El director intercala los puntos de conflicto de su film – Lucía atropella a León, ambos hacen el amor o “cogen” según sus términos, Ana y Carlos se enteran de las infidelidades y de allí al climax – con su súper diálogos que no acaban con secuencias musicales que la verdad están muy bien montadas pero parece que el director nada más lo hace para darle un toque sofisticado a su cinta y no tanto para impulsar la historia.

Un bajón respecto a su anterior película creo, ya que NO SE SI CORTARME LAS VENAS O DEJÁRMELAS LARGAS tiene diálogos más ingeniosos y que su locación sea solamente su edificio de apartamentos hace más ágil la narración mientras que en AMOR DE MIS AMORES con más dinero y más locaciones y exteriores, por lo tanto más épico si quieren llamarlo, el mismo concepto de teatro a pantalla grande no funciona igual.

Veredicto

Cine mexicano de buena producción, pero como casi siempre, la falla está en el guión. Espero la siguiente cinta del director no esté basada en alguna otra obra de teatro.

Foto de: Cinema Tradicional

Mi crítica sobre 22 Jump Street (Comando Especial 2) de Phil Lord y Christopher Miller: ¿La mejor comedia del 2014?

22_jump_street_fullhd-t2Lo primero que se me viene a la mente con esta película es que, no tengo nada malo que hablar sobre ella. Tiene sus defectos de inverosimilitud como que un personaje se estrelle contra una columna de acero y simplemente quede lamentándose como un golpe de gotcha o que te golpeen una y otra vez y no salga ni una gota de sangre ni moretones, los efectos de sonido estén exagerados y se sigan golpeando como si lo disfrutaran pero en general son minucias comparado con sus virtudes.

Y esto se debe al carisma y la química que existen entre sus dos protagonistas, los personajes Schimdt y Jenko, Jonah Hill y Channing Tatum respectivamente, que parece que nacieron para aparecer juntos en pantalla y hacer estos papeles.

Como su predecesora, 22 Jump Street va sobre dos policías que tienen que ir en encubierto para resolver un problema de venta de una droga nueva y muy peligrosa, pero en lugar del ambiente de preparatoria de 21 Jump Street, esta secuela se desarrolla en la universidad.

Podría tal vez criticarle falta de frescura, porque con 21 Jump Street no sabía a lo que esperar a excepción de las buenas reseñas que había leído, y que fue como un inyección intensa de comedia sin freno y pudor. Pero está lo repite, y lo digo con orgullo, no me aburro de ello.

Las secuencias de acción increiblemente filmadas, la edición, la mezcla de sonido, todo en cierto punto exagerado pero que queda perfecto para la atmósfera y el tono de la película.

Y las apariciones de Ice Cube, sobre todo cuando se cruza y choca con situaciones y enredos que el personaje de Jonah Hill crea son brillantemente hilarante. Y me quedo corto.

Hay una secuencia donde sin querer decirles mucho, el personaje del jefe de la operación, Ice Cube, se entera de algo que hizo Jonah Hill y lo ve con actitud amenazante. El personaje de Tatum los acompaña y todavía no se entera de porque su jefe toma esa actitud. En ese momento comienza un efecto de sonido de estilo cronómetro donde cada vez aumenta el volumen y la expresión de Tatum se vuelve de claridad. Entonces llega el segundo cero como si Tatum tuviera una revelación y comienza a mofarse de su jefe frente a todo e equipo. Fue grandioso. Y esa es sólo una secuencia de muchas que te desatarán una risa incontrolable.

Como todo, esto es un humor muy ácido, negro, obsceno, muy satíricos, con insinuaciones homosexuales que probablemente no sea para cualquiera. Pero si eres un adulto con una mente mínimanente tolerable a este tipo de humor, creo asegurarte que pasarás una de las mejores dos horas de tu año.

¿La mejor comedia de este 2014? Si tomo a GUARDIANES DE LA GALAXIA como comedia también, creo que están en el podio, pero es difícil saberlo todavía. Pero para eso mejor que lo decidas tú porque valdrá cada peso que inviertas en el boleto.

Veredicto: Si te gusta el humor irreverente y ácido, cuando dejes de leer esto, tómate dos horas libres y ve a verla cuando puedas.

Foto de Wallpapers Wide

Mi reseña sobre LUCY de Luc Besson: ¿Hacernos más listos nos hace menos humanos?

Foto de Comic Book MovieComenzaré esta crítica con un cliché ¿Qué nos hace humanos? Si Lucy es lo que Luc Besson piensa que es el desarrollo máximo que un ser humando puede llegar a ser, me siento muy decepcionado la verdad.

LUCY va sobre una chica del mismo nombre, interpretada por Scarlett Johansson, que gracias al uso de una droga que se mete a su cuerpo, esta puede llegar a utilizar el 100% de su cerebro y así usar distintas habilidades como el uso de la Fuerza de Star Wars, una habilidad de multitarea mejor que 100 personas, poder escuchar conversaciones telefónicas y teletransportarse como buen dios de comic. Esta debe de desarrollar todo su potencial antes de que unos mafiosas la quieran matar.

La película tiene un guión muy malo. No quiero decir desastroso porque la estructura es bien llevada y mantiene la tensión en buena parte de la película, sobre todo la primera mitad pero el desarrollo de su protagonista que lleva el peso de casi toda la película lo aborda de manera absurda.

Ya sabía que el uso de nuestro cerebro al 10% es uno de los mayores mitos que actualmente circulan en la opinión popular, pero esperaba al menos que estuviera más cercano al género SCI-FI, pero lo que en realidad hace es someterse más a la fantasía.

Lucy volando por los aires al estilo EL EXORCISTA cuando la droga se introduce en su cuerpo. También desintegrándose, primeramente como si tuviera lepra para luego desaparecer como polvo mágico porque la dosis de dicha droga se acaba. Lo que más me restrega en la cara es que ve las líneas de los celulares de forma visual y así intercepta la línea de los gangsters para saber cual será su próximo movimiento. Así tal cual hacker que ve todo de forma gráfica en lugar de comandos (lo siento por mi pasado programador, pero así son las cosas) pero ahora con super poderes mentales.

¿Por qué una droga que fue hecha por humanos puede desarrollar una capacidad para que seamos más que humanos? ¿Por qué el científico que creo la droga y que la introduce de que se trata no aparece después para terminar su ciclo en la película? Y lo más importante ¿Por qué siendo Lucy usando más la capacidad de su cerebro, se mantiene más fría, sin emociones, y con el aumento del uso de su cerebro la sentimos, menos humana?

¿Hacernos más inteligentes nos hace menos humanos?

Se que esto puedo ir demasiado lejos para una película que va dirigida a la fantasía, pero ¿donde queda la inteligencia emocional en Lucy? ¿Dónde se encuentra su inteligencia cognitiva? Porque a final de cuentas, eso también nos hace más listos y sabios.

Su producción es fenomenal. No tengo queja alguna de Johansson porque parece que las indicaciones del director era hacerla de chica tonta que utiliza su cerebro menos del 10% a cuando llega al 100 ponerla como un robot. Besson enfatiza varias veces en la película que debemos aprender a saber de donde venimos y poder aprender a vivir mejor a través de ese conocimiento. ¿La finalidad entonces es llegar a vivir como un robot?

La premisa de poder usar nuestro cerebro al 100% es desarrollada de forma tan ridícula por Besson que incluso el otro eje de la trama, detener a los gangsters para que no recuperen esa droga es más interesante y entretenida que el fondo de la idea filosófico/existencial de la protagonista.

Luc Besson utiliza un recurso de edición muy interesante para enfatizar una idea. La más clara es cuando Lucy va a caer en la trampa de los gangsters y aparece un plano de un ratón que caerá en la trampa al querer conseguir un queso. O cuando ya está en un apuro irremediable, fue editado combinando con una secuencia de un cheetha persiguiendo a una inocente gacela y atrapándola. La presa siendo devorada por su depredador. Nada sutil, incluso me reí mucho por la idea tan clarísima que quería expresar, pero se me hizo diferente para una película del género, por lo que me agradó. La música con toques electrónicos de Eric Serra es muy buena (incluso creo que es lo mejor y más rescatable de la película) dando un ritmo y atmósfera dinámicos que llevan realmente bien la película. Esto solamente hasta la primera mitad.

Pero como dije, su guión es realmente malo y hace que la película la perciba como un churro, más que nada por las expectativas generadas por el argumento que se veía interesante de desarrollar, pero que se quedó en simple intento de fantasía sin fondo.

Calificación: Para verla con unos billetigas del Cinemex o boletos de empresa de cinépolis para que no te duela tanto en que invertiste tu dinero.

*Foto de Movie Comic Book.

Apuntes de cartelera: The Master de Paul Thomas Anderson.

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  1. Toda la historia de THE MASTER es sobre dualidad y contrastes. La más conciente y clara es sobre la relación entre Joaquin Phoenix como Freddie Quell y la del maestro charlatán del título Lancaster Dodd interpretado por Philip Seymour Hoffman. Pero existen otras dualidades menos claras pero incluso más poderosas ya que son la que abarcan el tema de la película.
  2. Las primeras dualidades puede considerarse intrínsecas ya que se da entre los personajes principales, Freddie y Lancaster. Freddie es un individuo con claros problemas mentales que solamente desea ser su dueño en un mundo donde todos tienen que dar cuentas a alguien; pero a la vez Freddie desea pertenecer a algo. Freddie desea creer tanto en algo, desea ser enseñado y sentirse bien consigo mismo. Aunque sea por tiempo limitado, ya que por momentos que está del lado del maestro en secuencias siguientes intenta huir de él. Es muy curioso la paradoja de que Freddie, cuando está con el maestro, sea su mayor defensor mientras que los ayudantes que han seguido por siempre Lancaster, sean hipócritas a sus espaldas y lo sigan simplemente por inercia.
  3. Freddie, en parte gracias a su locura, es una persona auténtica.
  4. Igual de interesante percibí la dualidad interior de Lancaster Dodd. Como la sinopsis de la película lo indica, Lancaster es el creador de un movimiento espiritual llamado La Causa. P. T. Anderson muestra a Lancester como un charlatán, como un guía falso que le gusta rodearse de señoras ricas con mucho tiempo y dinero sobrante para seducirlas con su personalidad y sus métodos de revivir vidas pasadas. Y él sabe que en cierta forma es un bocaza que desea aprovecharse de la ingenuidad de las personas. Eso que claro en una secuencia donde una seguidora suya le cuestiona por el fundamento de su primer libro en el que se basa sus creencias y el fundamento del segundo, que cambia totalmente dichas creencias y como se enoja este por ser interrogado de esa forma. Pero también Lancaster parece en ocasiones creer en lo que predica, no se si sea por que no sabe que otra cosa hacer, ya que intenta, sobretodo por medio de sus esposa interpretada por Amy Adams, curar a Freddie con sus métodos, con resultados satisfactorios sólo temporalmente.
  5. Y es en la combinación de las dualidades de estos personajes se crea la riqueza de la trama de la película de P. T. Anderson. Pero el contraste más interesante es sobre el hecho de la veracidad de la fe o el misticismo que tanto Lancaster se aprovecha. Hay una secuencia donde Freddie está en el cine y recibe la llamada de Lancaster para decirle que está en Inglaterra. La siguiente toma es volver a ver a Freddie dormido y despertándose tempestivamente. La secuencia no tendría demasiado misterio si no fuera porque al llegar Freddie a Inglaterra se topa con Lancaster y la esposa de este de forma muy sorpresiva por su venida. Como si no lo esperasen. En una secuencia al inicio de la película se interroga a Freddie sobre una visión de su madre y este contesta que no fue una visión sino un sueño.

    Me encanta esta efecto de composición. Sugiere una desproporción de la realidad de Freddie.

    Me encanta esta efecto de composición. Sugiere una desproporción de la realidad de Freddie.

  6. ¿Acaso la llamada de Lancaster a Freddie fue un sueño? ¿Existe a pesar de todo la mentira de Lancaster y la locura de Freddie un cierto misticismo que los une? ¿Un vínculo espiritual? De ser así, siento que P. T. Anderson sugiere de forma muy sutil, que existe un misticismo o espiritualidad a pesar de personas charlatanes como Lancaster que se aprovechan de ello.
  7. Mención aparte es la actuación de Joaquin Phoenix. Que pedazo de actor. No había visto la película antes de la entrega de los Oscars, pero con toda humildad, la interpretación del señor Phoenix se come entero al buen Daniel Day-Lewis. En serio, el señor Phoenix es probablemente el mejor actor americano actualmente en servicio y que debe ser reconocido como tal. A pesar de su actitud
  8. Pienso que P. T. Anderson crea su película más completa y madura de toda su filmografía. Esto se debe a que el ritmo y el tempo nunca decae durante todo el metraje. ¿Esto significa que es la mejor película de Anderson? Un contundente no, ya que a THE MASTER le falta esa grandeza de THERE WILL BE BLOOD o MAGNOLIA o el ritmo trepidante de BOGGIE NIGHTS (que para mi es su mejor película). El problema de todas ellas es que no se mantienen constantes en su ritmo y tensión durante toda la película, y con THE MASTER eso no sucede así ya toda la historia siempre se mantiene firme.
  9. Lamentablemente su nivel y tensión son muy contenidos que impide alcanzar cuotas de emoción para ser recordada. Que al final de cuentas es lo que importa al terminar de ver una película.

Apuntes de cartelera: Anna Karenina de Joe Wright

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  1. Anna Karenina es una película diferente. Cuando crees que será la típica cinta de época donde deslumbra por su vestuario, arte y diseño de producción en general, te da una vuelta de tuerca bien redonda y nos mete dentro de un tipo de “meta-obra de teatro combinada con la realidad”.
  2. Me explico: La película de Joe Wright tiene la curiosidad de que por momentos está siendo exhibida, literlamente, en un escenario. Es decir, los personajes en lugar de estar en locaciones para presentarnos sus dramas, están arriba del espacio escénico, dando a entender que son actores representando las ideas del autor en lugar de tomarlas por personas reales.
  3. Esto da a situaciones realmente bellas donde a veces locaciones reales como restaurantes o habitaciones se combinan con el escenario y los actores dejan de ser “reales” a convertirse en “personajes de su propio drama y miseria”.
  4. Una de los temas de la película es el peso social de querer hacer su voluntad en contra de las reglas de la jerarquía rusa, como alguien que rompe con los moldes establecidos pasa a ser el centro de atención y entretenimiento de la sociedad. Esa es, me imagino, la razón de Joe Wright y el guionista Tom Stoppard para presentar de esta manera la película, como una persona viene a ser, por las decisiones que toma, a ser entretenimiento de los chismes de la alta sociedad y quedar, en este caso literalmente, en medio del escenario.
  5. Las ventajas de este raro concepto, es que presenta secuencias de una belleza formidable. Por ejemplo, en una de ellas, uno de los personajes, Levin, interpretado por Domhnall Gleeson , ante el rechazo de la encarnación de su amor, se siente dolido y repentinamente el fondo del teatro se abre para dar pasar a un inhóspito campo lleno de frío y nieve dando a entender la situación de ese personaje. En otra, Karenin, el esposo de Anna Karenina interpretado por Jude Law, rompe una carta en pedacitos y al tirarlos hacia el cielo, estos comienzan a caer en forma de nieve. Precioso.anna-karenina-8-posters-collage
  6. Como sus espectaculares lo manejan , las historia de Anna Karenina es de diferentes tipos de amor, donde los más predominantes, son el amor pasional, el romántico y el leal, cada uno interpretado por diferentes personajes. En si, este drama con toques realmente trágicos maneja excelentemente bien las consecuencias de cada tipo de amor. No he leído el libro, pero por ningún momento me aburrí en los 129 minutos de duración de la película, así que considero que fue una buena adaptación.
  7. Una de las razones de esa falta de aburrimiento es la maestría de Joe Wright para fusionar secuencias intensas con el uso de la música. Esto queda clarísimo en la secuencia maestra del salón de Baile donde Anna Karenina y Conde Vronsky se dan cuenta del amor que sienten. La música, la edición y el ritmo formado en esa secuencia es el despegue de la cinta para agarrarle el hilo y no dejarlo soltar. Pienso que es muy difícil crear emoción en el cine con ausencia de música. No quiero decir que no se puedan crear secuencias memorables en absoluto silencia o solamente con diálogos, pero en esos casos la falta de música es un sonido en si, como un momento de intensidad cuando el ritmo te lo marcado siempre el sonido. Y Anna Karenina es una ejemplo de ello.
  8. Sobra decir que en este tipo de películas el diseño de producción y vestuario es soberbio. Totalmente de acuerdo con aquellas voces que afirmaban que el diseño de producción fue robado por LINCOLN y no dárselo a Anna Karenina.
  9. El casting está en su salsa, excelente bien escogidos todos, desde Keira Knightly como Anna Karenina, Jude Law, Domhnall Gleeson, y sobre todo Matthew Macfadyen como el hermano de Karenina, donde ves a estos actores y piensas no pudieron hacer otro papel más que ese y aunque sea una historia rusa interpretada en su mayoría por ingleses, no hace tener a menos la historia.
  10. Una combinación rara, diferente y espectacular lo que nos presenta Anna Karenina de Joe Wright. Justamente hace poco no lo tenía en tanta estima, lo consideraba sobrevalorado, pero la forma tan arriesgada en como ha llevado este film lo hace un tipo valiente y con un equilibrio entre estilo clásico y experimental. La rareza de su propuesta es lo que la hace más interesante.

Apuntes de Cartelera: Zero Dark Thirty (La noche más oscura) de Kathryn Bigelow.

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  1. Me sorprende en gran manera la forma de afrontar de Kahtryn Bigelow sus películas sin un reparto súper estelar y seguir llamando la atención como lo hizo hace dos años.
  2. Ahora con actores más reconocidos que su anterior película THE HURT LOCKER y con excepción de Jessica Chanstein que ha logrado sobresalir desde hace apenas dos años, el elenco está respaldado en histriones que han sobresalido mayormente en televisión, y es allí donde la fuerza de Bigelow reside en su dirección y el soporte de su guión.
  3. Y que dirección por Dios. En mi opinión, porque lo que voy a decir puede resultar exagerado, Kathryn Bigelow es la mejor heredera de la forma de dirigir de Alfred Hitchcock en cuanto a elevar y mantener el suspenso se refiere.
  4. Bigelow, en esta película que mejoro notablemente respecto a la anterior que ganó las principales categorías, maneja un tempo del ritmo del suspenso como no he visto en años. Hay al menos tres secuencias donde el ritmo pausado te hace deducir que algo va a pasar. El gran logro es que no sabes que. Sabes que es algo malo, algo que hará que personajes mueran y te emociones, pero no sabes exactamente como y Bigelow juega con esa sensación de forma brillante. La forma impredecible de concluir de sus secuencias y que la mayoría de las películas actuales carecen. Ruego por verla detrás de cámaras en una película de terror.
  5. El guión de Mark Boal es posiblemente junto con el de AMOUR de Haneke, el mejor guión original de los nominados para los Oscars de este 24 de febrero. Espero lo gane.
  6. El ritmo es algo lento al principio, presentando y desarrollando los personajes, y se toma su tiempo para explicarnos el funcionamiento de la búsqueda de Bin Laden, de la intuición que te debe de llevar de una pista a otra y el callejón sin salida que generalmente sueles encontrarte y la cantidad de suerte que necesitas para llegar a algo. Pero a partir de la primera hora (la película dura un total de 157 minutos) el tiempo se pasa increíblemente volando y de una forma intensa y placentera para el espectador.
  7. Una de las cosas negativas es que el inicio de la película es un fondo negro con voces en off de las personas que estuvieron en los edificios de las Torres Gemelas y los aviones que chocaron contra ellas. Los subtítulos (y el hecho de que la proyección empezara sin haberse apagado las luces laterales de la sala) hacen que ese comienzo pierda toda su fuerza dramática y emocional. Lo ideal sería verlo con esa pantalla negra y dominante con el alrededor totalmente oscurecido y con las voces como únicas acompañantes.
  8. Es una verdadera lástima e injusticia que películas menores a esta estén nominadas a dirección en lugar de Bigelow. Me refiero exactamente a Benh Zeitlin con Beasts of the Southern Wild y David O. Russell con SILVER LINING PLAYBOOK. El nivel que Bigelow llega con este film es espectacular superando con creces a los dos que menciono y al menos espero que le den más oportunidades y dinero para que siga haciendo lo que se le de su gana.
  9. Una cosa más a destacar de Bigelow es que al momento de la captura de Bin Laden (espero que sepan que ese es el final, está basado en un hecho verídico) es la casi ausencia de un epílogo explicando razones, sentimientos y pormenores de todo el desarrollo de su captura (como las gran mayoría de las películas actuales lo hacen). En lugar de eso, Bigelow se centra en un primer plano de Jessica Chastain llorando después de concluir 12 años de su vida en su primera y única misión. Conmovedor y catártico.
  10. Así como guión, esta es junto con AMOUR, la mejor película que he visto hasta ahora de las nominadas. Lamentablemente no creo que gane. He leído reseñas acerca de lo cruda de sus tomas de tortura y como eso le ha bajado muchos puntos para alcanzar la estatuilla dorada a Mejor Producción. Algo muy exagerado, porque se muestran cosas que ya había visto antes. Aunque no en cosas que estuvieran nominadas y con “prestigio”.
  11. Esto es un logro total y maravilloso de la señora Bigelow. Tuve mis dudas y a pesar de alegrarme de que fuera la primera mujer en ganar como Mejor Director en los Oscars del 2010, con el paso del tiempo vi muy exagerado que THE HURT LOCKER haya triunfado como Mejor Producción (honestamente lo merecía más AVATAR). Pero por ahora me callo la boca y dejo las palabras para ponerme de pie y escribir que a partir de este momento soy fan incondicional de esta SEÑORA DIRECTORA. No le interesará mi opinión, pero no me importa, todos los elogios para ella y más.