Entrevista Carlos García Campillo, director de IMPLACABLE

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Carlos con Guido Guetta, protagonista de IMPLACABLE. Foto de Milenio.

Siempre me dio curiosidad Carlos García Campillo.

“Conociéndolo” en twitter ( @cgcampillo ) por medio de otros contactos que ya no recuerdo, siempre se me hizo interesante su manera de abordar el cine y el arte en general. Su forma moderada pero aún crítica de decir las cosas, su amor por el cine y los comics expresado en sus tuits, se me hacía alguien que valiera la pena saber quien es. 

Y más aún sabiendo que era un director de cine verdadero dando pasos para establecerse en la industria y que estaba pronto a estrenar su película IMPLACABLE. Coincidiendo con el estreno de la cinta de forma masiva en el canal 22 este 24 de abril a las 10 de la noche, le hice una entrevista de su carrera hasta ahora, de su proyecto IMPLACABLE FILM, de su forma de ver este arte y negocio y cosas que a mi me interesan para entender más ese mundo que es la producción cinematográfica.

Espero no sólo les haya gustado conocerlo por sus respuestas y vivencias, sino también sea de inspiración como fue conmigo. ¡A disfrutar de sus películas!

¿Por qué el cine?

La verdad es que no lo sé. Siempre fui cinero, mi familia es muy cinera, y poco a poco me fui haciendo cinéfilo. Yo creo que ese lenguaje se me fue incrustando en el ADN. Y siempre tuve inquietud por contar historias, fue natural el hacerlo con ese lenguaje y, por ende, en esa ventana.

Estudiaste Ciencias de la Comunicación ¿cómo tomó tu familia el querer dedicarte por los cómics y el cine?

Bien, mi familia siempre me ha apoyado al 100%. No sólo en la decisión de qué carrera estudiar, sino desde chico, cuando comencé con fanzines y cómics (tenía 12 o 13 años, quizá menos) y me metí a temas de imprentas, pre-prensa, etc. siempre me apoyaron. Mi padre viajaba mucho al DF y me llevaba para que yo pudiera entrevistar a gente que me interesaba, por ejemplo. O me ayudaban a conseguir películas -en aquel entonces- casi inconseguibles a través de contactos o amigos en embajadas u otros países. Sin duda sin mis padres no hubiera hecho la carrera que he hecho hasta ahora.

Hiciste un CHORRITO DE SANGRE. Cuéntame de tu experiencia.

Fue terapia de shock. En 1998 pensaba que sabía más o menos cómo hacer las cosas, pero nada me había preparado para manejar un set “real” (muy justificadas las comillas). Fue mi primera experiencia filmando en celuloide (16mm), mi primera experiencia con actores profesionales, y a eso hay que sumarle que todo lo que podía salir mal, salió mal. Pero creo que por eso aprendí muchísimo más que si todo hubiera salido bien.

Era un trabajo estudiantil, pero mi ambición iba mucho más allá. Eso hizo además que chocara con mi maestro, que quizá sentía que se le salía de las manos el asunto. Aunque traté de involucrarlo sólo me topé con negativas, y durante la preproducción y el rodaje sufrí un par de zancadillas. Creo que fue un buen “crash course” de cómo funciona este business.

De la experiencia rescato varias cosas: la entrega de profesionales a quienes admiro y que me brindaron todo su apoyo, como Roberto Sosa y Guillermo del Toro. La lección de que no importa el tamaño del proyecto para tratar de experimentar con géneros y temáticas (es un corto de vampiros y sicarios con un presupuesto prácticamente inexistente). Otra lección que es siempre seguir a tu instinto y aprender a vivir con las consecuencias, bueno y malas.

Hay una gran diferencia en el tema entre ese corto y EL QUEJIDO. ¿Por qué hiciste ese corto?

Nunca me he atado a un tema o género. No existe un género que no me gustaría explorar.

El resultado de cada película viene también de etapas y colaboraciones. Un Chorrito de Sangre es un guión de Mudo Vzz  Martínez, con personajes suyos, que son producto de una influencia muy clara que teníamos en los 90’s: Quentin Tarantino, Robert Rodríguez, mexplotation, etc. Esos son temas que Mudo sigue explorando en sus guiones y cómics, y que yo también tengo en algunos de mis proyectos, pero definitivamente no todos.

En El Quejido había otros temas y otra forma de abordar la historia que quería explorar. Es una historia menos estrambótica, más de personajes, quizá más contenida a pesar de ser de género fantástico. En Un Chorrito de Sangre había mucho mundo alrededor, “world building” por decirlo en términos de escritura, y El Quejido siempre lo concebí como un cortometraje que existe por sí mismo, sin otras historias o un mundo detrás de él.

Osito dormilón” de Inspector es tuyo o trabajaste en su producción ¿También te gusta dirigir vídeos musicales? ¿Crees que es un buen medio para expresarte o es más para ganar dinero?

Lo dirigí yo, aunque como en todos los videos de Inspector el que marca la pauta es Chuy Arriaga, que tiene muy claro lo que quiere transmitir para el grupo. Yo a ellos los conozco desde hace 15 años o más, siempre había querido colaborar con ellos. Ahora llevo dos (Osito Dormilón y Me Estoy Enamorando) y espero que no sean los últimos.

Los videoclips hace unos 10 años sí eran buena fuente de dinero, pero ahora no lo son tanto. En mi caso lo hice por hacer algo diferente, colaborar con ellos y divertirnos.

¿Cómo nació Producciones el Chango? ¿Por qué hacer tu propia productora? ¿Cómo la manejas?

La verdad no se cómo nació el nombre de PEC. Fue hace casi 20 años, cuando Mudo Vzz Martínez y yo publicábamos el cómic de Lugo. Lo creamos como un sello para el cómic. Aunque publicábamos todos bajo el sello de Cygnus identificábamos los “estudios”, y PEC era el nuestro. Luego cuando hicimos Un Chorrito de Sangre nos pareció natural seguir con el mismo nombre.

La productora no la constituimos legalmente sino hasta 2003, cuando regresamos mi esposa, Lesslye Yin Ramos (que es mi socia productora) y yo a Monterrey después de unos años en España. Además de nuestras propias producciones hacemos servicios de producción para clientes (presupuestos, planes de trabajo, casting, locaciones) y de vez en cuando filmamos comerciales, spots o institucionales, aunque no es lo que más hacemos.

¿Es importante para ti la música en una película? ¿Primero piensas la imagen o alguna canción o melodía ha despertado en ti secuencias o historias para contar?

La música y el sonido son el 50% de una película, pero también los silencios. Es importante saber cuándo usar una cosa o la otra. Yo definitivamente pienso primero en la imagen, aunque alguna canción o pieza musical pueden inspirar una escena o secuencia. Para todas mis historias armo soundtracks o playlists que uso mientras trabajo en ellos.

El caso más claro de música influyendo en alguna de mis historias es Implacable, que nació como concepto mientras escuchaba rock en español de los 90’s como Cuca, La Lupita, etc.

En la versión que filmé al final no se incluyó esa música en el soundtrack, pero la música es fundamental para la película. Esa banda sonora -que me encanta- se la debo entera a nuestro supervisor musical Joel Amaya.

¿Cómo manejas a tus actores?

Hablando con ellos. Cada actor es diferente y cada proyecto es diferente. La clave está en la comunicación, en saber cuándo hablar con ellos pero también cuando dejarlos solos con su proceso. Estas decisiones empiezan en el casting. Hacer buenas decisiones en el casting es una gran parte de dirigir actores.

Haz trabajado con Roberto Sosa y Mario Zaragoza? ¿Cómo los contactaste? ¿Qué tal la experiencia?

En ambos casos grandes experiencias. Roberto Sosa fue el primer actor profesional que dirigí y fue extremadamente generoso. Ese cortometraje estuvo tan plagado de problemas que hubiera podido tomar otra actitud, pero entendía que era un equipo de estudiantes y también lo importante que era el proyecto para mí y fue un gran apoyo. Se lo agradeceré siempre.

Con Mario la experiencia fue diferente porque era un corto más grande, con más infraestructura y yo tenía más experiencia. Fue un gran colaborador. Su proceso de creación de personaje fue fascinante. Trabajé con él después de eso y volvería a trabajar con él sin dudarlo.

El proceso de contactarlos la verdad es que no recuerdo cómo fue. Preguntando, supongo. Buscas a alguien que haya trabajado con él, o con alguien que lo conozca, y de ahí vas paso a paso. En el caso de Roberto creo que fue a través de Juan Manuel Bernal, que uno o dos años antes había filmado un corto con conocidos.

¿Te gusta ensayar con los actores o te vas directo a rodar?

Depende del proyecto. Por lo general me gusta trabajar el personaje con ellos, trabajar las relaciones o química entre personajes a través de ejercicios y hacer un par de lecturas de guión con todo el elenco antes de pasar al trabajo de trazado en locación con actores, pero no ensayo mucho.

¿Cuál es tu proceso para idear las historias? ¿Identificas tu proceso creativo?

Tomo muchas notas, que pueden ser desde una línea hasta una escena. Uso una libreta pequeña que tengo siempre a la mano o mi teléfono o ipad con programas como Evernote. Cada cierto tiempo reviso las notas y las ordeno. Si algunas tienen los mismos elementos temáticos o narrativos veo si pueden funcionar juntas. También pienso en qué formato funcionan (cine, cómic).

Lo que llega a convertirse en guión por lo general es lo que más se queda en mi pensamiento. Si la idea ronda muy seguido, está arañando por salir, pues se convierte en algo más.

¿Trabajas con storyboard? ¿Es indispensable para ti?

Sí me gusta mucho trabajar con storyboard. Me gusta mucho el proceso de previsualizar y siento que hace que el trabajo en set sea más sencillo. Te libera para poder dedicarte a los personajes y la historia.

¿Cómo nació la idea de IMPACABLE?

Era una idea de esas que tenían años en mi libreta. Creo que debo de haberla anotado en 2001 o 2002. Hice un dibujo de Max y Dan, los personajes principales, simulando la portada de un cómic. Abajo escribí un logline que es prácticamente lo que terminamos filmando 12 o 13 años después.

Ahí se quedó hasta que publicaron la convocatoria de Telefilm de Canal 22 e IMCINE. Cuando salió la convocatoria sabía que quería colaborar con Josh Candia y le mandé varias ideas que se me ocurría que podríamos desarrollar. La que escogimos no cuajaba como guión, y la siguiente fue Implacable, que salió de manera muy natural.

¿Te sientes más cómodo que alguien te escriba el guión con la idea que tú tienes o prefieres escribirlo tu? ¿Por qué IMPLACABLE no quisiste escribirlo tú?

Depende. Es un proceso muy natural, no lo forzo. Hay historias o ideas que se me ocurren y que de inmediato creo pueden funcionar con tal o cual guionista, dependiendo de sus gustos y sensibilidades.  Hay gente a la que le voy siguiendo la pista, que me gusta lo que hacen, y que sé que algún día voy a querer colaborar con ellos. Así fue con Josh Candia.

Por otro lado hay historias que van surgiendo completas, que nacen más formadas, por así decirlo, y que no necesitan de colaboraciones externas. O simplemente son muy personales, como demonios que tengo que exorcizar yo mismo.

Por tu experiencia o por conocimiento del medio ¿cómo consigues financiamiento? ¿dependes del apoyo del gobierno? ¿buscar productores, inversionistas para tus proyectos? ¿Haz tenido que hacer pitch para promover tus guiones?

La mexicana es una industria que requiere del apoyo institucional para sobrevivir, ya sea a través de fondos públicos o de estímulos fiscales. Es un proceso muy despiadado. También requiere de un análisis muy a conciencia de los proyectos, para identificar el tipo de fondos que hay que captar. Saber si hay potencial comercial, si es un producto más de nicho, festivalero, etc.

Muchos de los grandes fracasos financieros del cine mexicano nacen de no saber identificar esto, de encapricharse con grandes presupuestos o pretensiones comerciales que a priori debería saberse no van a funcionar.

Una de las maldiciones del cineasta es que hay que quitarse de vez en cuando la gorra de creador para ponerse la de vendedor. Hay que moverse en festivales, eventos de industria y en círculos de negocios y emprendedores buscando siempre cómo levantar los fondos del próximo proyecto.

También hay que saber trabajar con presupuestos bajos o ultra-bajos para no dejar de filmar. El que deja de filmar, se muere.

Si he tenido que hacer pitch, es un mal necesario, algo que odio, pero vital para poder levantar una película. Los primeros pitches de cada proyecto duelen, pero poco a poco empieza a salir natural.

En un medio tan variables como es el cine mexicano ¿como te sientes y como se siente tu familia entre un proyecto y otro? En términos más simples ¿cómo le haces para sobrevivir en un trabajo que se considera principalmente artístico y muy voluble?

Un proyecto te absorbe por completo. Durante semanas o meses es tu todo: tu trabajo, tu familia. No hay noticias fuera del rodaje, no hay relaciones fuera del rodaje. Antes para mí era más fácil, pero conforme envejeces las prioridades cambian y se hace más difícil entregarte con tanto abandono a cada rodaje.

Cuando finalizas un rodaje hay un proceso que yo llamo de “descompresión”. Sufres de desorientación, sientes un vacío y poco a poco vas volviendo a la realidad. Es un poco como un síndrome de abstinencia.
En mi caso ayuda que mi esposa es mi productora y mi hermano es cinefotógrafo, entonces en cierta forma todo queda en familia.

¿Cómo consigues hacer algo que te gusta, te apasiona y logras vivir de ello?

Muy buena pregunta. Si consigues la respuesta me la envías.

Pero en serio, creo que es importante no parar, pensar en cine y vivir el cine todo el tiempo, hay que saber qué peleas pelear y cuáles dejar pasar.

¿Defiendes a muerte tus ideas? ¿tu manera de trabajar es “la mía o ninguna” o eres más propenso a aceptar o modificar tu trabajo con las aportaciones de los demás?

A mí me gusta mucho colaborar. Claro que como todo director tengo opiniones fuertes acerca de todo lo que implica una película, pero creo que si escogí a alguien para colaborar tengo que confiar en su opinión. Hay cosas en las que no cedo, pero no soy un “emperadorcito” (como llamamos de cariño a los directores/dictadores con los que hemos trabajado).

¿Cuál es el futuro de IMPLACABLE?

Implacable tendrá su estreno en cines como parte del Tur de Cine Mexicano. 13 ciudades del país del 7 de marzo al 10 de abril.

Luego se estrenará en televisión el 24 de abril en el Canal 22.

Esperamos que a eso sigan más ventanas, home video y vod, precedidas quizá por un estreno en cines más extenso.

Además Lesslye, Josh y yo hemos hablado mucho de seguir con Implacable en otros medios, ya sea con una secuela o con una serie de TV o web, aunque no hemos definido nada.

¿Cuáles son tus siguientes proyectos?

Estamos desarrollando varios proyectos, algunos que dirijo yo, otros que produzco. Espero levantar uno de ellos este año (no digo más por supersticioso).

Además estoy produciendo el debut en cine de Mudo Vzz Martínez como director, Shebang, un cortometraje basado en su cómic. Esperamos poder filmar en verano.

 

Un vendaje temporal de una herida permanente.

Ya van un par de días que no hablo con una persona que le agarré un cariño enorme y es complicado lidiar con ello. Ya que yo no quiero eso, pero seguir hablando O relacionándome con ella no me llevará a ninguna parte.

Respecto a eso, recordé una secuencia de MAD MEN de la temporada cinco que en su momento no creo que me haya conmovido demasiado sino más bien me hizo criticar la actitud de Pete por no cuidar a su familia y buscar otra cosa fuera de ella. La volví a revisar hace poco por el Netflix y hoy no puedo más que conmoverme y sentir nostalgia por las cosas que dice ya que me identifico con algunas cosas que menciona. Creo que esto es lo grande de las películas y los libros, y ahora las series de TV, donde podemos vernos reflejados en los problemas de alguien más y no sentirnos tan solos en este mundo. Y saber que un guionista de gran talento sabe explicar con mejores palabras y más bellas algo que tú sientes. He aquí el fragmento:

Infelicidad de Pete

Pete: “Lo siento … Estoy en la habitación equivocada.”

Bet: “Pero todavía puedes visitar.”

Pete: “Pero yo estoy aquí para visitar a mi amigo.”

Bet: “Por favor … por favor, hazme compañía.”

(Pete se sienta.)

Bet: “¿Qué le pasa a tu amigo”

Pete: “. Él, uh … él se involucró con la esposa de otro hombre”

Bet: “Y eso lo puso en el hospital?”

Pete: “A partir de las complicaciones”.

Bet: “¿Por qué lo hizo?”

Pete: “Bueno, por todas las razones habituales, supongo. Necesitaba desahogarse, necesitaba aventura, necesitaba sentirse apuesto otra vez. Necesitaba sentir que sabía algo, que todo ese envejecimiento valía algo, porque él sabía cosas que los jóvenes no saben todavía. Probablemente pensó que sería como tener un par de tragos fuertes y sentirse muy, muy bien y luego se iría de nuevo a su vida y decir que todo estuvo bien “.

Bet: “¿Pero entonces se puso enfermo?”

Pete: “Cuando ella se fue, él tenía el corazón destrozado. Y entonces se dio cuenta de que todo lo que ya tenía no estaba bien tampoco. Y que por eso era por lo que había sucedido todo. Y que su vida con su familia es en realidad un vendaje temporal de una herida permanente “.

Bet: “No te preocupes. Ellos lo curarán aquí. Son muy buenos. ”

Pete: “El va a estar bien.”

(Pete se levanta para irse.)

Pete: “Bueno, fue un placer conocerte.”

Espero algún día escribir así.

Apuntes de cartelera: The Master de Paul Thomas Anderson.

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  1. Toda la historia de THE MASTER es sobre dualidad y contrastes. La más conciente y clara es sobre la relación entre Joaquin Phoenix como Freddie Quell y la del maestro charlatán del título Lancaster Dodd interpretado por Philip Seymour Hoffman. Pero existen otras dualidades menos claras pero incluso más poderosas ya que son la que abarcan el tema de la película.
  2. Las primeras dualidades puede considerarse intrínsecas ya que se da entre los personajes principales, Freddie y Lancaster. Freddie es un individuo con claros problemas mentales que solamente desea ser su dueño en un mundo donde todos tienen que dar cuentas a alguien; pero a la vez Freddie desea pertenecer a algo. Freddie desea creer tanto en algo, desea ser enseñado y sentirse bien consigo mismo. Aunque sea por tiempo limitado, ya que por momentos que está del lado del maestro en secuencias siguientes intenta huir de él. Es muy curioso la paradoja de que Freddie, cuando está con el maestro, sea su mayor defensor mientras que los ayudantes que han seguido por siempre Lancaster, sean hipócritas a sus espaldas y lo sigan simplemente por inercia.
  3. Freddie, en parte gracias a su locura, es una persona auténtica.
  4. Igual de interesante percibí la dualidad interior de Lancaster Dodd. Como la sinopsis de la película lo indica, Lancaster es el creador de un movimiento espiritual llamado La Causa. P. T. Anderson muestra a Lancester como un charlatán, como un guía falso que le gusta rodearse de señoras ricas con mucho tiempo y dinero sobrante para seducirlas con su personalidad y sus métodos de revivir vidas pasadas. Y él sabe que en cierta forma es un bocaza que desea aprovecharse de la ingenuidad de las personas. Eso que claro en una secuencia donde una seguidora suya le cuestiona por el fundamento de su primer libro en el que se basa sus creencias y el fundamento del segundo, que cambia totalmente dichas creencias y como se enoja este por ser interrogado de esa forma. Pero también Lancaster parece en ocasiones creer en lo que predica, no se si sea por que no sabe que otra cosa hacer, ya que intenta, sobretodo por medio de sus esposa interpretada por Amy Adams, curar a Freddie con sus métodos, con resultados satisfactorios sólo temporalmente.
  5. Y es en la combinación de las dualidades de estos personajes se crea la riqueza de la trama de la película de P. T. Anderson. Pero el contraste más interesante es sobre el hecho de la veracidad de la fe o el misticismo que tanto Lancaster se aprovecha. Hay una secuencia donde Freddie está en el cine y recibe la llamada de Lancaster para decirle que está en Inglaterra. La siguiente toma es volver a ver a Freddie dormido y despertándose tempestivamente. La secuencia no tendría demasiado misterio si no fuera porque al llegar Freddie a Inglaterra se topa con Lancaster y la esposa de este de forma muy sorpresiva por su venida. Como si no lo esperasen. En una secuencia al inicio de la película se interroga a Freddie sobre una visión de su madre y este contesta que no fue una visión sino un sueño.

    Me encanta esta efecto de composición. Sugiere una desproporción de la realidad de Freddie.

    Me encanta esta efecto de composición. Sugiere una desproporción de la realidad de Freddie.

  6. ¿Acaso la llamada de Lancaster a Freddie fue un sueño? ¿Existe a pesar de todo la mentira de Lancaster y la locura de Freddie un cierto misticismo que los une? ¿Un vínculo espiritual? De ser así, siento que P. T. Anderson sugiere de forma muy sutil, que existe un misticismo o espiritualidad a pesar de personas charlatanes como Lancaster que se aprovechan de ello.
  7. Mención aparte es la actuación de Joaquin Phoenix. Que pedazo de actor. No había visto la película antes de la entrega de los Oscars, pero con toda humildad, la interpretación del señor Phoenix se come entero al buen Daniel Day-Lewis. En serio, el señor Phoenix es probablemente el mejor actor americano actualmente en servicio y que debe ser reconocido como tal. A pesar de su actitud
  8. Pienso que P. T. Anderson crea su película más completa y madura de toda su filmografía. Esto se debe a que el ritmo y el tempo nunca decae durante todo el metraje. ¿Esto significa que es la mejor película de Anderson? Un contundente no, ya que a THE MASTER le falta esa grandeza de THERE WILL BE BLOOD o MAGNOLIA o el ritmo trepidante de BOGGIE NIGHTS (que para mi es su mejor película). El problema de todas ellas es que no se mantienen constantes en su ritmo y tensión durante toda la película, y con THE MASTER eso no sucede así ya toda la historia siempre se mantiene firme.
  9. Lamentablemente su nivel y tensión son muy contenidos que impide alcanzar cuotas de emoción para ser recordada. Que al final de cuentas es lo que importa al terminar de ver una película.

Apuntes de cartelera: Anna Karenina de Joe Wright

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  1. Anna Karenina es una película diferente. Cuando crees que será la típica cinta de época donde deslumbra por su vestuario, arte y diseño de producción en general, te da una vuelta de tuerca bien redonda y nos mete dentro de un tipo de “meta-obra de teatro combinada con la realidad”.
  2. Me explico: La película de Joe Wright tiene la curiosidad de que por momentos está siendo exhibida, literlamente, en un escenario. Es decir, los personajes en lugar de estar en locaciones para presentarnos sus dramas, están arriba del espacio escénico, dando a entender que son actores representando las ideas del autor en lugar de tomarlas por personas reales.
  3. Esto da a situaciones realmente bellas donde a veces locaciones reales como restaurantes o habitaciones se combinan con el escenario y los actores dejan de ser “reales” a convertirse en “personajes de su propio drama y miseria”.
  4. Una de los temas de la película es el peso social de querer hacer su voluntad en contra de las reglas de la jerarquía rusa, como alguien que rompe con los moldes establecidos pasa a ser el centro de atención y entretenimiento de la sociedad. Esa es, me imagino, la razón de Joe Wright y el guionista Tom Stoppard para presentar de esta manera la película, como una persona viene a ser, por las decisiones que toma, a ser entretenimiento de los chismes de la alta sociedad y quedar, en este caso literalmente, en medio del escenario.
  5. Las ventajas de este raro concepto, es que presenta secuencias de una belleza formidable. Por ejemplo, en una de ellas, uno de los personajes, Levin, interpretado por Domhnall Gleeson , ante el rechazo de la encarnación de su amor, se siente dolido y repentinamente el fondo del teatro se abre para dar pasar a un inhóspito campo lleno de frío y nieve dando a entender la situación de ese personaje. En otra, Karenin, el esposo de Anna Karenina interpretado por Jude Law, rompe una carta en pedacitos y al tirarlos hacia el cielo, estos comienzan a caer en forma de nieve. Precioso.anna-karenina-8-posters-collage
  6. Como sus espectaculares lo manejan , las historia de Anna Karenina es de diferentes tipos de amor, donde los más predominantes, son el amor pasional, el romántico y el leal, cada uno interpretado por diferentes personajes. En si, este drama con toques realmente trágicos maneja excelentemente bien las consecuencias de cada tipo de amor. No he leído el libro, pero por ningún momento me aburrí en los 129 minutos de duración de la película, así que considero que fue una buena adaptación.
  7. Una de las razones de esa falta de aburrimiento es la maestría de Joe Wright para fusionar secuencias intensas con el uso de la música. Esto queda clarísimo en la secuencia maestra del salón de Baile donde Anna Karenina y Conde Vronsky se dan cuenta del amor que sienten. La música, la edición y el ritmo formado en esa secuencia es el despegue de la cinta para agarrarle el hilo y no dejarlo soltar. Pienso que es muy difícil crear emoción en el cine con ausencia de música. No quiero decir que no se puedan crear secuencias memorables en absoluto silencia o solamente con diálogos, pero en esos casos la falta de música es un sonido en si, como un momento de intensidad cuando el ritmo te lo marcado siempre el sonido. Y Anna Karenina es una ejemplo de ello.
  8. Sobra decir que en este tipo de películas el diseño de producción y vestuario es soberbio. Totalmente de acuerdo con aquellas voces que afirmaban que el diseño de producción fue robado por LINCOLN y no dárselo a Anna Karenina.
  9. El casting está en su salsa, excelente bien escogidos todos, desde Keira Knightly como Anna Karenina, Jude Law, Domhnall Gleeson, y sobre todo Matthew Macfadyen como el hermano de Karenina, donde ves a estos actores y piensas no pudieron hacer otro papel más que ese y aunque sea una historia rusa interpretada en su mayoría por ingleses, no hace tener a menos la historia.
  10. Una combinación rara, diferente y espectacular lo que nos presenta Anna Karenina de Joe Wright. Justamente hace poco no lo tenía en tanta estima, lo consideraba sobrevalorado, pero la forma tan arriesgada en como ha llevado este film lo hace un tipo valiente y con un equilibrio entre estilo clásico y experimental. La rareza de su propuesta es lo que la hace más interesante.

Entrevista con Eduardo Barraza. Última parte.

IMG_0707Esta es la tercera parte de la entrevista que le hice al director Eduardo Barraza.  La segunda la pueden encontrar aquí. Aquí define un poco más su filosofía para la realización de las películas que desearía hacer en el futuro su visión y la forma en como las películas influyen en las personas y su modo muy personal de presentarlas.

En términos generales no concuerdo con su forma de ver el cine, pero se me hace interesante la manera personal de cada director ya que eso influye al momento de hacer sus películas.

Espero hayan disfrutado esta entrevista en partes para conocer un lado más humano del cine.

P: ¿Por qué estando en Chihuahua teniendo una cátedra allá decidiste venir a Monterrey?
R: Por cuestiones familiares.

P: ¿Se te da más la oportunidad de desarrollarte aquí?
R: Igual la verdad, porque allá creamos el estudio de cine, y creo que donde quiera que vayas puedes crear lo que tu necesitas. Así hubiera vivido en el pueblo donde crecí te aseguro que hubiera creado un estudio de cine y me hubiera puesto hacer allá.

P: Pero allá tenias a tu equipo, y no me refiero al componente técnico, sino a las personas. En el cine yo me imagino que cuando trabajas con alguien y ya te llevas bien pues quieres seguir trabajando con esas personas. Regresas a Monterrey desde que saliste de tu carrera y ellos no vienen contigo. ¿Simplemente tenías esa mentalidad de que aquí encontrarías otras personas para seguir trabajando?
R: Realmente aquí hay mucha gente que está haciendo cine y no regresé pensando en hacer cine sino por cuestiones familiares. Yo me regresé para apoyar a mi familia y ahora si tuve que venir a tocar puertas y abrir otra vez todo. Yo no me vine con algo ya seguro así que tuve que buscarlo. Se me abrió una puerta en el TEC y en las .otras universidades donde he dado clase. Se está formando gente otra vez, gente que estoy formando y que se está trabajando pero ahora ya no lo estoy haciendo como en Chihuahua que era para trabajar en conjunto.

P: ¿Entonces aquí es más para enseñar?
R: Aquí es para generar pequeños líderes y que cada quien trabaje en lo suyo y junte su equipo de trabajo. En Chihuahua se quedaron líderes, dejé personas preparadas, ahora hay un alumno que está dando mis clases, otro ya tiene su propia productora, incluso produce más que yo. Se quedaron allá buenos líderes que empezaron a seguir su camino. Y eso es bueno porque no los estás educando para que trabajen contigo sino para que produzcan y hagan.

P: ¿Cómo pudiste dominar el miedo de al llegar a Monterrey y sin trabajo y pensar en cómo sobrevivir?
R: Bueno, soy una persona muy creyente, creo que Dios si existe independientemente de cualquier religión. Mi familia es católica, y son muy creyentes, pero yo creo que soy un poquito más devoto ya que la misma vida, la situación de cuando nos robaron los derechos de LA SOMBRA DEL SAHUARO, en ese intermedio mi esposa de se enferma de cáncer, y empiezo a ver milagros en mi vida muy fuertes, cambios de mi actitud, de una persona más desesperada a una persona más tranquila, alguien que prefería el ego, la alfombra roja y las estrellas a una persona que empieza a ver otras cosas en el ser humano. Empiezo realmente a descubrir algo que es Dios y me doy cuenta que si está allí. Inclusive me he dado cuenta que cuando menos nos ha ido bien en cuestión de salud, económico, lo que tu quieras, siempre ha habido algo o alguien que nos ayuda o apoya. Creo que eso es el reflejo de Dios. Uno piensa que Dios se va aparecer y te va a cargar pero realmente ese presenta en todo lo demás, en la gente.

P: ¿Y por qué sentiste eso y no más el orgullo de pensar que tú estas aquí por el hecho de salir adelante por ti mismo?
R: Porque en la situación que uno está viviendo, un ser humano por si solo no lo logra. Imagínate estar en festivales, creer que eres todopoderoso y todas esas cosas que uno llega a vivir en el mundo de la farándula y luego darse cuenta que en un instante se pierde todo y que eso que uno estaba creyendo que era lo más importante en realidad no lo era, allí es en donde valorar la vida y donde buscas querer hacer las cosas bien.

P: Entonces te sientes responsable de llevar tu visión de tu fe o Dios en tus películas?
R: Ahora si

P: Tu película ARCANGEL va sobre un policía que pierde todo en L.A. y se regresa a su pueblo y su padre le hereda la máscara.
R: Pero el papá ya estaba muerto, el descubre que es hijo de un luchador social, que era peleador de lucha libre y a la vez un luchador social. Es decir, es un luchador que ayuda al pueblo, algo como el Padre Fray Tormenta. Es un sacerdote, que creo está en Hidalgo y que para sacar adelante a un orfanato aprendió a luchar y se metió a la lucha libre para ganar dinero y darles de comer a los muchachos del orfanato, es vida real y está inspirado en una historia como esa. Y obviamente enfrentando los demonios de uno mismo.

P: En tus películas ¿pones cosas personales en ellas?
R: Claro que si, no puedes quitarte yo creo eso.

P: ¿Consideras que uno tenga que poner parte de si mismo en sus películas?
R: Yo creo que todas, inclusive hasta los churros.

P: ¿Por qué crees que en las películas que uno haga deba hacerlo más personal y no mantener la distancia emocional? ¿Para hacerlo más realista?
R: He visto películas que se ve reflejado el lado humano o bueno del escritor y he visto otras donde se ve reflejado el lado malo. Creo que las dos tienen la misma fuerza. Por ejemplo, sacar el odio, la venganza, a eso es lo que me  refiero. Aristóteles dice que es bueno porque crea una catarsis de emociones y te ayuda a liberarte. Ay quienes dicen que saques todas tus ideas de matar y todo eso y te liberas, entonces te lleva a una catarsis de liberación. Ahora, he visto los dos ejemplos y he visto películas donde pienso que le pudo haber pasado a este guionista o a este director para sacar tanto odio o tanto rencor porque realmente algo le pasó. La película que llevé al festival de Cannes, era una película con esta propuesta, y fue muy gracioso en el festival porque gente de diferentes productoras me querían conocer por lo que yo estaba promoviendo en el cine y me hablaban y me decían Chihuahua. “Chihuahua, Chihuahua” me gritaban los americanos o hasta de la India, “platícame de tu idea, platícame de hacer cine con valores”. Les causó algo extraño, yo creo que el éxito de esa ida no fue en si el viaje sino la platicada y lo que mucha gente vio.

P: ¿Estás más reflejado en películas como EL ESTUDIANTE pero donde se promuevan valores?
R: Ahorita si, porque creo que el cine y la televisión en nuestra era, todo lo que sea imagen, inclusive el youtube tienen poder sobre el ser humano así que más vale que cuidemos el contenido. Hace poco recordaba una imagen de un papá chino que graba a su hijo de tres años enseñándole a fumar. Esa imagen independientemente del error que ha hecho su papá allí, esa imagen ya está en algún lugar grabada, esa imagen le llega a muchas más personas y de seguro que si esa imagen la ve un niño, entonces el niño entrará en confusión si no está bien preparado, no te digo que sólo deban existir imágenes bonitas, pero existen imágenes que el mundo no está preparados para recibirlas.

P: ¿Entonces cuál es la clave? Desde tu punto de vista ¿cuál es el concepto de lo que debería ser una película?
R: Ahora si cuidada y me refiero al contenido. Puedes disparar una pistola en una película porque es ficción pero en el momento en que tu enseñas el gatillo como se dispara ya le estás enseñando a alguien que no sabía como disparar.

P: ¿Consideras menos potente el hecho de que una situación violenta quede fuera de la imagen, es decir como en un fuera campo?
R: Si porque ya va a depender de la persona que lo está viendo. Ya la responsabilidad no es del realizador sino ahora si, todo ser humano es responsable de su vida. Entonces, en el momento en el que yo te enseño y te digo como, la responsabilidad es mía, en el momento en que tu buscas y aprendes pero yo no lo enseñé la responsabilidad ahora si es a quien le corresponde.

P: Actualmente me da la impresión que hacer películas con valores o “mensajes” suena idealista y nada real ¿Por qué prefieres seguir en ese camino?
R: Mis primeras películas no fueron así pero aprendí que hay que hacer un cambio. Voltea a ver a tu alrededor, simplemente no hay que ser irreales, simplemente voltear a ver alrededor del mundo y darse cuenta que los jóvenes son más violentos que las películas que vimos, ya usan ametralladoras. Un amigo, cuando estábamos en Chihuahua, uno de los alumnos que tenía le tocó ver un asesinato, dice que el cuate se paró como en las películas, salió del quemacocos de una Escalade o algo así con su metralleta en una mano y sin moverse disparándole a una persona en otro carro y todos los tiros lo dieron en el centro. Dice que parecía que estaba en una película de Vin Diesel, entonces ese es el ejemplo que tiene la fuerza que tiene esto en la sociedad, no es imaginación, no es algo irreal, voltea a ver a tu alrededor y allí está. Te hago creer que las joyas, los celulares de los rateros en el video son reales y yo como joven no tengo la capacidad de darme cuenta que eso no es verdad y quiero tener el dinero para tener una Escalade con sillones de oro, todas esas cosas que nos venden, la mayoría de las veces es ficción, pero los jóvenes se la creen, y en la actualidad hay jóvenes que están cometiendo delincuencia y que quieren tener muchas cosas a raíz de lo que estamos viendo, si nos vamos al otro ejemplo, la típica niña que cree que si no se prepara, no lucha, no se esfuerza, va a venir el príncipe azul a sacarla de su situación, como las novelas mexicanas. Nuestro alrededor es el reflejo de lo que nosotros comemos con nuestros ojos.

P: Una última pregunta ¿tú crees que el hecho de tu familia o haber tenido hijos haya influenciado en eso? Te menciono este caso porque es muy notorio entre la primera trilogía de Star Wars que es mucho más oscura pero con mayor prestigio y la más actual, donde se ve con un tono mucho más ligero e infantil.
R: Probablemente tenga que ver con la edad, probablemente cuando uno es más joven no ve las consecuencias de los errores. Puedes equivocarte, todos los seres humanos lo hacemos, pero esos errores entre más creces más aumenta tu percepción y te das cuenta del daño que puedes causar, porque a final de cuentas, inclusive cuando creemos que estamos haciendo el bien, estamos haciendo un daño.

Entrevista a Eduardo Barraza, director de cine. Segunda parte.

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Esta es la continuación de la entrevista que tuve con el director Eduardo Barraza tiempo atrás. La primera parte la pueden ver aquí. En esta continuación nos habla de sus primeros trabajos, las dificultades y trampas que tuvo que pasar además de abrirse respecto a como se maneja en este ámbito tan volátil y como lo lleva con su familia. Espero lo disfruten.

P: ¿Cuál fue tu primer trabajo?
R: Un documental de la Sierra Tarahumara. Me gano un apoyo económico y una beca para estudiar cine en Los Ángeles. Nos vamos cinco, allí conozco a un amigo, que quiere escribir, dedicarse a guión y empezamos a trabajar juntos. El comienza a escribir que hago yo al principio y en ese intermedio yo quería hacer algo, entonces me pongo a la idea de hacer algo de los tarahumaras y decidimos juntos hacer una investigación de la percepción del amor de los Tarahumaras. El documental era para un trabajo escolar porque todavía estaba estudiando la carrera pero resulta que nos da un premio de 700 mil pesos y siendo estudiante pues ese dinero en esa época pudimos comprar una cámara de video profesional que nos vendió un amigo. Invertimos ese dinero en equipo y yo estaba desesperado por hacer una película. Originalmente la siguiente iba a ser la de LA SOMBRA DEL SAHUARO, pero era muy ambiciosa, necesitábamos más dinero y entonces lo que se me ocurrió desesperado fue hacer otra película antes. Mi amigo escribe el otro guión y comenzamos a hacer la película.

P: ¿Cómo se llama la película?
R: UN DILUVIO. Es una película apocalíptica, de jóvenes echando relajo en la época moderna. No es una buena película realmente.

P: Cuéntame sobre LA SOMBRE DEL SAHUARO.
R: Conseguimos el patrocinio, la inversión y la hicimos con un millón de pesos. Lamentablemente esa película nos robaron los derechos, hicimos una mala negociación en el contrato de distribución con una empresa de Estados Unidos y nos pagaron un anticipo y en el contrato estaba escrito que nos iban a pagar regalías pero no decía cuando.

P: ¿Entonces nunca vieron el dinero?
R: No, nunca lo vimos. La película le fue muy bien en Estados Unidos, la metieron en todo Wal – Mart. Yo fui a firma de autógrafos en Tower Records en Estados Unidos. Fue un boom en todo el mercado latinoamericano. La compraron los del canal, no recuerdo bien, unos parecido a Univisión, pero no son ellos. Realmente le fue muy bien, el productor americano se hizo millonario con esa película.

P: Bueno, al menos sirvió de aprendizaje ¿no?
R: Si, lo que pasa es que son contratos truculentos y en ingles y estábamos muy chavos. Yo tenía 23 años. Me faltaban dos materias para graduarme. Yo ya andaba produciendo y grabando y regresé después de eso, senté cabeza y me puse a terminar la carrera.

R: ¿Cuál fue tu siguiente proyecto?
P: Me contratan para dos películas americanas. Una se llama CIELITO LINDO con Adam Rodríguez, de CSI Miami, el moreno. La película se hizo con 500 mil dólares. Yo era el gerente de producción, el que movía a la gente, pero era contratado y la verdad no se que pasó con aquella película. Después de allí me hablan para una película más grande americana que se llama FAST FOOD NATION.

P:¿La de Richard Linklater?
R: Si. Esa película ya es de un presupuesto mucho más grande, de millones de dólares, trae mucho dinero y me contratan para ser el Line Producer que vendría siendo como el Productor en México. Como no iba a llevar contratos porque era una película americana yo no podía ser productor pero realmente toda la parte que se hizo en México éramos, Alejandro Laguette y yo, la cabeza del proyecto. Después de eso me invitan a mi a desarrollar la industria del entretenimiento de Chihuahua.

P: ¿De que año estamos hablando?
R: En el 2006. Aquí la producción baja. Me ofrecen una buena idea allá (en Chihuahua) yo tenía el desarrollo de unos estudios de cine, la producción y todo un esquema de pequeña industria para México. Les llama la atención y me invitan a participar allá, a desarrollarla, estuve en juntas, moviéndome con desarrollo económico muchos años. En el intermedio nos damos cuenta que necesitábamos una escuela, se pone en Chihuahua y es allí cuando comienzo a dar clases realmente.

P: Regresándome un poco, cuándo sales de la escuela y tu deseo es hacer cine, por un lado ¿tomabas la posibilidad de vivir dando clases de cine o se dio simplemente?
R: Me habían invitado a dar conferencias en el TEC y la UR de Chihuahua, también dado una pequeña plática en Estados Unidos, es decir, si había tenido la oportunidad de dar charlas y conferencias y me había llamado la atención. Pero cuando comienzo con la escuela (en Chihuahua), empiezo a ver la docencia como algo diferente sin preparación de educador. Me meto a enseñar porque necesitábamos gente que aprendiera a hacer cine en Chihuahua. De allí hago una película con el grupo de trabajo que capacitamos en Chihuahua, de bajo presupuesto, gastamos como 50 mil pesos nada más, en blanco y negro, contratamos fotógrafo de Coahuila, la hicimos en 15 días y es la película que llevé al Festival de Cannes en el 2008.

P: ¿De una clase directamente a Cannes? Increíble.
R: Si, fue un buen experimento. Para empezar estábamos enseñando haciendo cine. La película no entra a una sección oficial pero me da la oportunidad de ir al Desayuno de Producers Network. Me publican en la revista de Screen Daily, me publican en los diarios de Cannes, en los catálogos y además me dan chance de entrar para poder ir a participar y verlos. Fue una buena experiencia, además de que fue una película que se hizo en 15 días. La verdad yo creo que si la hubiéramos hecho con más dinero y con las cuatro semanas que se deben de hacer y todo bien estructurado yo creo que podríamos haber entrado en una oficial y ganar.

P: ¿Te consideras muy ambicioso? Ya que de hacer un trabajo escolar a mandarlo al Festival de Cannes tuviste una actitud de ¿a ver que pasa?
R: Siempre le hago así, no se si sea algún error en mi percepción pero yo creo que nada pierdes. EL DILUVIO Y LA SOMBRE DEL SAHUARO los mande a Cannes y no pegaron. Entonces siempre en esto es así, a ver que pasa. Tengo amigos que la meten a todos los festivales, y pues hay festivales para todo. Tienes una lista de montón de festivales pero que nadie conoce, pero es bueno ya que estás exhibiendo tu trabajo. Es muy importante para mi decir lo siguiente, más vale que hagas cine que deje algo a la sociedad, porque hacer un cine que nada más entretiene o que sólo te lleva a una desesperanza o a algo diferente ya estás entrando en hacer el cine que todo el mundo hace.

P:¿Todavía sigues sintiendo obstáculos al mandar trabajos a Festivales? Por ejemplo, escuchar comentarios de que no le sigas, no lo hagas, no te van a seleccionar o de donde vas a sacar el presupuesto.
R: Si es complicado. Siempre ha estado ese obstáculo, yo creo que el problema más grande es vencer el auto desánimo o auto fracaso. Le llamo auto porque uno se lo genera.

P: ¿Tú también lo tienes? Para ser honesto yo he sentido mucho eso.
R: Todos lo tenemos, claro que si. La barrera más difícil de vencer  no es la de los demás, esa no importa, sino la de uno mismo. Te voy a decir algo que le dije a mi hijo, el campeón no es el que gana siempre, sino el que a pesar de todo vence su mal ánimo, su negatividad, aunque no gane el primer lugar, alguien aunque llegue en último lugar pero venció el miedo yo que eso ya es un campeón, yo así es como lo veo. Creo que soy una de las personas que sufre más esas cosas.

P: ¿Por qué?
R: Por mi parte creativa, mi misma imaginación te hace creer cosas o sabotearte. Es una lucha constante para mi. Veo mucha gente en la sociedad que platica conmigo que le diga como le hice y sólo respondo que yo nada más me aventé. Te aseguró que hay miedo siempre, lo que si es que creo que en ese riesgo tiene que cuidarte a ti mismo y a los demás, porque si tomas riesgos para dañar a otras personas te aseguro que te puede ir bien pero también caes más rápido.

P: Ya que hablas de tu familia y los riesgos que tomas, tu esposa, Benny Treviño que también es productora, ¿tenía ese concepto de la realidad en el cine en México que es de altas y bajas? ¿Sabía a lo que se metía también?
R: Yo creo que es más centrada que yo [ríe], me supongo que ha de ser una santa porque soportar mis cambios de ánimo, soportar las altas y bajas, las emociones, los desánimos, todo lo que he enfrentado.

P: ¿Te ha apoyado? En las altas uno siempre está feliz ¿pero en las bajas se mantienen unidos?
R: Claro que si. También hemos tenido problemas como todas las familias. Creo que el secreto para este trabajo es tener una familia centrada y unida realmente, no necesariamente en el amor romántico que existe, porque eso es una fantasía, sino en la decisión de decir, sabes que, vamos a lucharle, y es una decisión y eso ayuda. Te aseguro que entiendo a mucha de la gente que se mete a este medio y es artista y que se divorcian, se separan.

P: ¿Nunca has sentido la tentación de no tener la seguridad de un trabajo fijo o asalariado de cambiar de trabajo o tener varios trabajos?
R: Si lo he hecho. No te imaginas lo que me he puesto hacer, de todo.

P: Pero ¿nunca has dejado de lado tu deseo de producir?
R: A lo mejor no ha estado dentro de mi prioridad pero ha seguido así. No es la posición numero uno pero me sigo moviendo.

P: ¿Te consideras muy paciente?
R: No, soy una persona muy desesperada.

P: Mencionaste en otra ocasión que platicábamos acerca de tu trabajo ARCANGEL, sobre un sacerdote que se hace peleador de lucha libre, que desde el 2006 que ganó un premio y hasta este momento no has podido realizarlo. Dijiste en aquella ocasión que por un sello no pasó la convocatorio para conseguir el dinero para producirlo. Y ya van hacer 7 años y todavía sigues con el ímpetu para levantarlo. ¿No crees que eso es considerarse muy paciente para ver algo que tu sólo veías en tu cabeza a algo tangible después de tanto tiempo?
R: Bueno, es una buena visión que no había visto hasta ahora, creo que si la misma vida me ha hecho más paciente porque antes por desesperado hice las películas que no me gustan por querer hacer ya cine entonces yo creo que ahora soy un poquito más tranquilo y estoy tratando de hacer lo que yo quiero pero ahora si “cuando Dios quiera” porque es un momento de que por un error de un sello y cosas de ese tipo uno no sabe y ya no está en uno.

Entrevista a Eduardo Barraza, director de cine. Primera parte.

Con este post inauguro un espacio que espero se repita de forma infinita a lo largo de la vida de este pequeño blog: la de entrevistas a personas que admiro dentro del ámbito cinematográfico por más pequeño que sea. Espero que este camino sea recorrido por críticos de cine, productores, cinefotógrafos y directores que se dignen a hablar conmigo.

El primer invitado es Eduardo Barraza, director de película desde videohomes hasta experimentales que han llegado a pasar por categorías en el Festival de Cannes. Además de cinefotógrafo, productor y maestro. Debido a la longitud de la entrevista he decidio dividirla en tres partes. Espero que sea de su agrado y les cautive su atención y libere su curiosidad en temas cinematográficos como lo hizo conmigo al momento de entrevistarlo.

En esta primera parte abarco sobre sus anhelos de ser cineasta, los problemas que tuvo que pasar para llegar a ello y sus experiencias de haber estudiado una carrera de cine. Espero lo disfruten, como las siguientes que vendrán.

Pregunta: ¿En que momento te diste cuenta de que el cine era lo que querías hacer?
Respuesta: Desde niño tenía mucha imaginación. La imaginación creo es una herramienta que Dios nos la dio al ser humano y muchos la sabemos usar y algunos por suerte caemos en algo creativo. Mis papás son comerciantes de toda la vida, de Chihuahua y luego se fueron a Arizona y de allí tuvimos la oportunidad de viajar mucho para traer cosas para vender a Los Angeles y tuve la oportunidad de niño de estar en los estudios Universal, y desde allí ya empieza mi deseo. O incluso mucho más atrás, el deseo de contar historias, más que ser cineasta me creo como un contador de historias y de eso es lo que me ha hecho a mi caer en el cine.

P: ¿Crees que tus padres, al ser emprendedores y tener sus propios negocios han influido para que te hayas arriesgado a estar por tu cuenta en el mundo del cine?
R: Probablemente si. Mi papá es cinéfilo. La primera película que vi fue EL LLANERO SOLITARIO, yo creo que tendría como cinco años cuando salió. No había cine donde vivíamos pero cuando viajábamos a Chihuahua o a una ciudad más grande, mi papá y yo nos metíamos desde las tres de la tarde hasta las 12 en la salas de cine.

P: Como mencionas, te gusta contar historias, pero ¿por qué el cine? ¿por qué no escribir un libro, que es una forma más fácil porque depende sólo de ti mismo y el gasto económico es mucho menor?
R:Dentro de mi ha estado el deseo de escribir un libro, también creo que el cine, las imágenes tienen mucha fuerza y crear esa imagen, el pintar con la iluminación, el jugar con las sombras, todo eso es lo que a mi se me ha hecho muy interesante.

P: ¿Se te facilita pensar en imágenes?
R: Si. De hecho, para poder escribir me tuve que quitar ese pensamiento visual y tratar de empezar a cambiar la manera de escribir porque al principio uno cuando quiere escribir algo empieza a escribirlo en imágenes.

P: Al querer estudiar comunicación ¿tus papas en todo momento te apoyaron?
R: No, claro que no. Imagínate crecer en una ciudad chica. Mis papás vienen realmente de vender en casa por casa, después me pudieron pagar el tecnológico, pero bueno, vengo de una familia del esfuerzo y del trabajo. Nos bajábamos a tocar la puerta para vender y me bajaban cargando a los cuatro o cinco años a bajar las cosas. Imagínate decirle a alguien con esa formación que quieres hacer cine, que quieres estudiar comunicación, me dijeron que estaba loco, que me iba a morir de hambre y cosas de esas.

P: ¿Y no ha sido cierto?
R: La cuestión del cine es que tiene cosas muy altas y tiene cosas muy bajas, por ejemplo, una película que hice con 40 mil pesos gané un premio de 700 mil pesos. La segunda película que hice con un millón de pesos ganó como 200 mil pesos entonces se perdió ¿no?.

P: Antes de continuar con eso ¿te decidiste por estudiar comunicación?
R: Empecé Derecho y luego me dan la oportunidad de escribir una supuesta demanda, con todo el proceso, de inventar todo y me fue muy bien porque conté e inventé toda la historia. De allí decido que no estoy haciendo aquí nada y me voy a estudiar cine.

P: ¿Cuánto duraste estudiando para abogado?
R: Un año. Luego, en aquella época, por el 96, no había más lugar que Monterrey o el DF y escogí el TEC de Monterrey porque estaba más cerca.

P: ¿Luego de eso?
R: Simplemente tomé la decisión, se molestaron y me vine. No creyeron en mi hasta que hice la segunda película.

P: ¿Crees que si valga la pena estudiar una carrera de comunicación especializado en cine o irte directamente a producir?
R: Creo que ahora en la actualidad hay muchos cursos que te van ayudar a producir. Conozco gente que es ingeniero, es contador, es abogado y anda produciendo. Si vas a ser realizador es recomendable estudiar una carrera.

P:¿Por qué?
R: Porque tienes que ver todas las cuestiones técnicas, aprender de iluminación, aprender de cámaras, aprender de lentes, dirección de actores.

P: ¿Realizador te refieres a largometrajes? Porque si alguien quiere hacer sólo un corto y festivalearlo ¿entonces?
R: Realizador en general. Aunque también lo puede hacer. Hay un cuate inclusive que a mi me tocó conocer, no hice relación con él pero estábamos casi en la misma época; son unos abogados que hicieron un documental de los emigrantes de Guatemala para México y de allí Estados Unidos. Estos muchachos hicieron una investigación, se fueron con su cámara y se subieron al tren, hicieron entrevistas y grabaron todo como si fueran mojados. El muchacho quedó seleccionado en el Festival de Sundance. A nosotros nos dijeron los maestros: enséñenle a editar porque no saben editar ellos, y un amigo mío estaba allí con ellos  diciéndoles “así se edita, así muévele, haz esto” pero ellos lo editaron, nosotros no tuvimos nada que ver, nada más explicarles como se prendía la computadora y eso.

P: ¿Te refieres sólo a como utilizar el programa de edición?
R: Así es. Ellos eran gente que no sabía ni como manejar la cámara pero aprendieron en el momento y lograron llegar al Festival de Sundance. Obviamente ya no se dedican a esto, ellos son abogados. Para alguien que ni siquiera era cineasta llegar a Sundance, imagínate.

P: Por experiencia, se que los conocimientos técnicos los puedes aprender solo, pero lo que más me llama la atención de estudiar cine es por las personas que conoces y pueden ser tus futuros colaboradores. Tú al salir de tu carrera ¿seguiste frecuentando a los que conociste allí o trabajaste con ellos?
R: Los primeros trabajos que hicimos si fueron con los compañeros de la carrera, algunos tal vez siguieron este camino, otros no, la vida es muy larga, y en el caso del cine mucha gente lo abandona.

P: ¿Por qué?
R: Porque es una carrera que necesita esfuerzo, tiene muchas altas y bajas, hay veces que te va bien y otras veces que no te va bien entonces ese sacrificio, cuando te casas y tienes hijos empieza a disminuir.