Crítica Videoclub: Following (El Perseguidor)

Puntuación: Muy buena.

Esta cinta podría considerarse como ópera prima del ya consolidado y famosísimo director Christopher Nolan. Aunque por su duración, 71 minutos, tiene más pinta de ser un mediometraje.

Esta producción, que exhala aire independiente a más no poder y que se asemeja muchísimo a la ambientación y atmósfera de Pi de Darren Aronofsky (que curiosamente son del mismo año), trata acerca de un individuo que se contagio de la afición de seguir personas. Por el simple hecho de seguirlas, más no para hacerles daño o investigarlas. Con sus respectivas reglas y que, como se podía suponer, acaba por romperlas y pagando las consecuencias.

En la película ya se puede apreciar muchas de las consistencias que Nolan usa en sus películas, como la introducción de sus personajes por medio de monólogos o diálogos entre los protagonistas para explicarnos la historia, las tramas que parecen más de lo que se ve en un principio, el duelo de policías y ladrones o de ladrón y noble, el montaje que es pieza fundamental para la narración de la historia.

Y es justamente el montaje la pieza fundamental de esta historia. Y se ve como experimento de lo que Memento iba a resultar. En cierta forma, no separada como capítulos como las cintas de Tarantino (especialmente visto en Pulp Fiction), es un montaje más abstracto que terminará en una narrativa clásica al aclarar los cabos sueltos que se presentan por las secuencias que no están ordenadas en forma cronológica. Esto pudiera resultar difícil de seguir para un consumidor promedio de cine, pero creo que desde sus comienzos Nolan opta por contarnos una historia misteriosa e interesante y usando diferentes alternativas del lenguaje cinematográfico teniendo en cuenta que el espectador es inteligente y podrá comprender la estructura de la trama.

Podría considerarse un poco pretencioso y vanidoso al pensar que como director que el construye y entiende la historia, todos los demás también lo harán, pero es una muestra también de querer hacer cine entretenido de forma más inteligente que dejarlo todo con bandeja de plata al espectador. A pesar de los diálogos de los personajes por explicarnos casi todo.

Otra cosa que resulta sorprendente por la ya reconocida carrera de Nolan, es que creo que este trabajo es en el que mejor desarrollo de los personajes existe en los trabajos del director. Sobretodo con el protagonista, los otros dos, especialmente la rubia (interpretada por Lucy Russell) queda dentro del clásico personaje femenino del género, pero creo por el desenlace del protagonista, uno siente esa sincera empatía por lo que le sucedió.

El protagonista llamado Bill, interpretado de muy buena manera por Jeremy Theobald, empieza como un remedio a su soledad (primer nivel de identificación) a seguir a personas, pero ninguna más de una vez. Esto lo hace porque, de una forma u otra, esa persona que escoge, le fue especial en el momento en que la siguió.

Los problemas empiezan cuando este decide empezar a seguir a una chica de la cual se enamoro de su imagen (segundo nivel de identificación) y también una de las personas que le siguen lo aborda para reclamarle su persecución. Entonces se da cuenta de los hábitos de este personaje, que es entrar en casas, robar cosas personales y hospedarse en los departamentos de las personas que se entera salen de vacaciones.

Curiosamente, este ladrón tiene por nombre Cobb. Si, el mismo del personaje de DiCaprio en Inception. No se cual sea la manía de Nolan de relacionar el nombre de Cobb con un ladrón con gran carisma, pero el hecho que que allí está eso. Y si, el actor Alex Haw (que no volvió a salir en ninguna otra producción) es el que más brilla en pantalla, ya sea por su elegante acento ingles, lo bien que abordo el personaje o la seguridad que plasma del mismo como hurtador de objetos y casas. Fue muy fácil sentirme atrapado por su carisma y como bohemio vivía su vida y así se que del mismo modo el protagonista sin nombre quedó enganchado con su personalidad.

Bueno, en la plática hay uno de esos momentos mágicos que suceden de vez en cuando y uno no puede evitar la identificación con lo que dice, en este caso, de las palabras que Nolan puso a sus personajes en el guión. Y es que Bill, como “aspirante a escritor” que es, también sigue a las personas para conocer su hábitos y así poder aplicarlos a los personajes. Y que, Cobb lo que más la atrae de la sensación de robar, es conocer las pertenencias los objetos personales de los residentes para saber como son. Bueno aprendices de guionistas, esto es lo que debemos hacer para crear buenos personajes. Fijémonos en los libros que leen, en las canciones que escuchan y películas que ven. E interesémonos en las personas. Así podremos agarrar un pedazo de vida de ellos para que nuestros guiones e historias sean más reales. Y creo que el director británico dio en el clavo en plasmar esa necesidad que como escritores jóvenes y novatos, y que en ese momento Nolan lo era, tenemos y describirlo de esa forma.

Ahora, uno de los puntos flacos de la trama, es que cuando el protagonista ya se ve metido en la trampa, la rubia, que este empieza a seguir por obsesionarse, le dice que el mismo Cobb se dio cuenta que lo seguía varios días atrás. Pero por el montaje y el monólogo del protagonista uno interpreta que a la primera persona que el siguió varias veces, fue esa misma rubia. Lagunas del guión que el mismo Nolan escribió.

Esas y otras más, como hasta la triple identidad que el Cobb personifica a lo largo de la historia y que se nota muy ambigua, son fallos que no afectan tanto  a la trama por lo perfecto de la estructuración del montaje y su ritmo que nos envuelve al contarnos la historia.

Un grandísimo debut de unos de los directores ya consolidados y más prestigiosos del momento. Mientras siga siendo fiel a sus ideas como las que empezó a mostrar desde Following, tenemos Nolan para buen rato.

Veredicto: Creo que amo un poquito más a Nolan después de ver esta película. Para mí, la mejor de su filmografía en cuanto a ideas originales se refieren. Un must para todos aquellos que desean entender mejor de la filmografía del mejor director británico de la actualidad.

Crítica Videoclub: The Messenger (El mensajero)

Puntuación: Buena – Muy buena

The Messenger de Oren Moverman, es una desgarradora historia acerca del impacto que la muerte produce cuando ocurre de manera tan inesperada. Esto se debe en este caso, a los anuncios que se dan a las familias o personas responsables de la notificación por parte del servicio militar. Esta cinta, más que brillar por su elegante dirección y su sencillo pero completo guión, es un tour de force de las actuaciones de sus dos protagonistas: Ben Foster, Woody Harrelson y Samantha Morton.

Mucho se ha promocionado esta película por dos situaciones. La primera que es la gran actuación de Woody Harrelson que le valió una nominación al Oscar como Mejor Actor de reparto. Creo que Harrerlon da una magnífica actuación como el Capitan Tony Stone y nunca desentona con el ambiente ni con su personaje, pero que el que se debería llevar las palmas es Ben Foster como el sargento Will Montgomery. Este actor, desde la primera vez que lo vi en como el tímido, metalero y fiel Spacker Dave en The Punisher, ha crecido una barbaridad como interprete para empezar a ser considerado como una garantía dentro de las películas que haga ahora en adelante. La evolución del personaje de de Will es calmada pero a un ritmo constante y muy bien llevado por Foster, que muy probablemente por ser considerado actor protagónico para esta cinta no fue tan apreciado como Harrelson.

Director con sus interpretes

La otra situación es la tan sonada cuestión moral del sargento Will de involucrarse en la vida de una de las viudas a las que fue a darles el aviso de la muerte de su esposo. Este se siente conmovido por la reacción de la sola Olivia, personificada magistralmente, sin exagerar, tanto ella por su actuación de tanta energía y sin pavonearse que le era muy fácil por la situación de su personaje, y por mi ya con los halagos que le adhiero, por la actriz Samantha Morton. Me pareció acertado que la atracción de Will por Olivia no fuera la casual o ya vista muchas veces en que el atractivo físico de la protagonista salta a la vista. Olivia se ve una mujer normal de suburbios, con una cara muy fina pero un cuerpo nada espectacular. Además de la primera impresión tan realista, la interacción entre ambos actores es muy profunda, sobre todo la credibilidad que le da el personaje de Samantha Morton a su personaje al intentar evitar sentirse atraída por el sargento.

Como dije, las actuaciones tanto de Harrelson como de Morton al lado de Foster son de primer nivel, pero lo que realmente vale la pena en esta película son las secuencias de los anuncios de las muertes de los militares a sus cercanos. Cada aviso o notificación por parte de este par de soldados es un plano secuencia de tremendo dramatismo y que electriza la pantalla. Cada uno de estos avisos es una muestra de cómo tenemos a la vida como algo por sentado, pero que súbitamente y cuando menos uno lo puede esperar, la muerte puede llegar a tocar a tu puerta. Literalmente para decirte que tu hijo/hija o esposa/esposa se han ido de este mundo.

Mensajeros de la muerte son estos soldados asignados que como bien les instruyó antes de escogerlos para esta misión, la tarea que estarán llevando a cabo es sagrada. Porque no hay nada más sacro que la vida, y la ausencia de ella, debe de tratarse con la mayor reverencia.

No hay palabras para descifrar cada una de esas secuencias, el director Oren Moverman, que con esta su ópera prima, hace un excelente trabajo para dirigir a sus actores y hacernos partícipes de la anuncio de la despedida de cada uno de estos héroes. Muchas veces con cámara sobre el hombro de los personajes, y como dije, sin ningún corte, hace mucho más real y adentrarnos en el dolor tanto de los soldados que avisan la trágica muerte, como la de las víctimas que son consecuencias de una guerra sin sentido.

Y como esto, Moverman además de enseñarnos el dolor de cada una de las partes, se atreve a criticar, por medio de los diálogos de sus personajes, el sistema bélico de su país y de cómo se maquilla mucho los anuncios de estas muertes.

El director se basa en esos planos secuencias para los momentos emotivos y un uso reconocido del lenguaje cinematográfico, para ser su primera película (aunque ya había trabajo como guionista en otras producciones reconocidas como I’m Not There y Married Life) hace un trabajo destacable, pero por el ritmo tranquilo que lleva en la mayoría de su metraje (ninguna escena de acción, sólo guiños de ellos) donde se basa más en lo que sus personajes quieren transmitir que en lo que hacen, puede llegar a algunos puntos de fastidio.

No podía faltar, que como muchas películas bélicas, las exposiciones de situaciones cotidianas que resultan más difíciles de lidiar para soldados ya con experiencia en batalla y la soledad que ellos conlleva. Además, como punto negativo, a pesar de que resalta mucho más la verisimilitud del guión, utilizar siglas que el ejército usa pero sin explicarlas, dificulta más seguir la trama de estos soldados. De igual forma, no es algo que disminuya la comprensión de la historia, pero que es imposible no notarla.

Además, esto es más como una capricho personal, hubiera deseado ver más en pantalla a Jena Malone, que como las demás, y a pesar del poco tiempo que nos comparte en pantalla, realiza una destacable participación (con desnudo incluido, donde apreciar sus glúteos no tiene precio).

Veredicto: Película muy emotiva con respecto al tema de la muerte que toca el corazón y hace valorar la cuestión de la vida, no tanto nuestra, sino de lo que nuestros seres queridos. Además de también lo difícil que es la misión de notificar a las víctimas de guerra, que aunque no participen en batalla, necesitan una fuerza emocional muy grande para soportar el trabajo.

Crítica Cineteca: Gegen die Wand (Contra la Pared)

Puntuación: Excelente – Obra Mestra

Durante toda la semana anterior la Cineteca Monterrey exhibió todos los largometrajes del reconocido director turco-alemán Fatih Akın el cual la de mayor prestigio o ruido es esta cinta ganadora del Oso de Oro en la Berlinale en 2004.

Contra la Pared es un tragedia con tintes melodramáticas y humor negro muy bien incrustados y con una manufactura impecable del director. La película narra el inicio de la relación poco convencional entre Cahit Tomruk (Birol Ünel) y Sibel Güner (Sibel Kekilli). Estos se encuentran en un centro psiquiátrico cuando ambos deseaban quitarse la vida por diferentes razones. Uno, por la pérdida de su esposa y que ya no tenia motivos o fuerzas para seguir. La otra, por la intimidación de su familia de ser alguien que no quiere ser. En su caso, sentirse presionada por ser la chica turca que sólo vive de sus padres para pasar a vivir con un esposo.

Akin es muy expresivo en presentar el estilo de vida turco y que comparte muchas similitudes con la sociedad regiomontana, sobretodo por el papel desempañado para la mujer. La fuerza de la tradición es impecable y como Sibel ve el matrimonio como la única fuente de salida para su situación en la familia, llegando a momentos drásticos en los que su hermano le rompió la nariz por estar agarrado de la mano de un hombre. El matrimonio como vía de escape para una vida de independencia. Justamente esa tendencia la he presenciado mucho como manera de poder “hacer lo que se desea” para la mujeres. En una sociedad conservadora y de tradiciones muy arraigadas, en muchas familias, la palabra del padre o la madre es ley y fuente de frustración de muchos jóvenes. Y que ven el salir de eso con el amor de su vida por medio del matrimonio para así empezar por fin esa etapa de felicidad y crecimiento que tanto desean.

Concretamente con Cahit y Sibel fue un pacto para que ella pudiera hacer lo que se le antoje (en su caso, beber y fornicar sin parar) y no involucrar a su flamante esposo. Lo curioso (y que podría parecer predecible en algún otro chic flick) es que con el tiempo, la vida de Cahit parece mejorar y sentirse mejor consigo mismo al lado de Sibel. Por lo que termina enamorándose de ella.

Lo realmente milagroso de esta película es como los hechos se van desenvolviendo. Separadas por capítulos para cada etapa de la relación y con una banda de música turca como fondo, desde casi un inicio la empatía por Cahit y Sebil es total (aunque hay que aclarar que la belleza excepcional y poco común de Sebil Kekilli ayuda mucho). La acción se desarrolla de forma natural, con un soundtrack de acompañamiento inmenso en una combinación de cantos tradicionales turcos con múscia punk, y sin poder o querer adivinar los hechos que se vendrán por lo que la sorpresa será mayor o más satisfactoria. En este caso, vemos el momento en que Sebil engaña a Cahit en cada momento y como el va transformando su actitud de indiferencia hacia la de mayor aprecio por lo que Sebil es y lo que hace con él. Para eso, cuando el enamoramiento es inminente, yo como espectador los disfruté placenteramente. Ya que el director Akin, en momentos de gran sensibilidad y que podrían tomarse muy fácilmente como melosos o superfluos, entonan perfectamente en el ambiente creado por el director alemán. Existe un escena en específico donde Sibel y Cahot están a punto de hacer el amor y esta le dice  a él que se detenga, porque sino él será su marido y ella su mujer. En casi otra cualquier situación de cualquier otro director del mundo, esa frase y la escena que en la que se desenvuelve se hubiera tomado como una actitud pro-apoyo al lo sagrado del matrimonio o verse como una simple actitud cursi de los protagonistas. En esta película no, sino por la atmósfera que que ha imperado sobre la película hasta ese momento, es como un oasis en el desierto de tanta desdicha de los personajes y se nota como una verdadera muestra de amor entre un hombre y una mujer. Algo hermoso y que Fatih Akin supo transmitir con verdadera maestría y pulso.

Pero así como la vida y el destino te sonríe al darte algo que o esperabas y hacerte feliz, la misma vida te la quita para demostrarnos que no somos nada en este mundo. Y de una forma u otra, por la inmadurez de estos personajes y por las consecuencias que estos tienen que pagar por sus actos que hicieron en lugar de que lo que buscaban estaban frente a ellos, su separación es inminente.

Creo que esta historia del director (y que también escribió) es uno de esos milagros que pocas veces suceden en el cine, aquellos que toman un pedazo de la vida, y lo pegan en la pantalla. Donde existe amor, pero también existe desgracia y que está muy bien balanceada y en el ritmo y tono adecuado. Le ayuda mucho valerse del humor negro para que los personajes se relacionen y así hacerlos más accesibles al público.

Incluso, como tragedia, no es manipuladora ya que desarrolla los hechos con naturalidad, que puede percibirse fría o lenta pero que por estar al tanto de los protagonistas, es algo que no se nota.

El final, muy riste como algo previsible pero en el que no quisieras que pasara de esa manera, da evidencia de que aún con que encuentres al amor verdadero, eso no significa que te quedarás con él.

Supongo que como la vida misma.

Veredicto: Una película que puede considerarse sencilla pero con un impacto profundo que te deja pensando mucho tiempo después de su visionado. El amor te alcanza, pero hay que aprender a disfrutarlo, porque también nos puede (y es muy probable que nos vaya a) dejar.

El feliz director

Te extraño más de lo que puedo soportar, pero hemos tenido nuestro tiempo juntos. Tengo que dejarte ir: Reflexión sobre Inception

Hay un tema de los varios que se abarcan en Inception que impactó poderosamente mi atención por algunas similitudes que tienen que ver conmigo: que es el de la pérdida. Me identifiqué mucho (no totalmente, por fortuna nadie ha muerto dentro de mi círculo cercano) con la situación que plantea Nolan y que se es una situación universal.  El de no poder soltar recuerdos o memorias de acontecimientos que marcaron tu vida y que,  a propósito o no, quedan grabadas con fuego en tu subconsciente. Algo que se a uno lo hacen sentir fatal. No se que tan personal fue eso para Nolan, pero al menos para mi, no pude evitar reflejarme de esta forma .

Mal: Do you know what it is to be a lover? Half of a whole?

El punto en cuestión de la película, o el que más hace énfasis, son los recuerdos de amor y/o donde se produjeron grandes momentos emocionales. A Dom Cobb le resulta imposible dejar la presencia de su esposa en la mente, del amor que dejo ir, o que se escapó de él. Su mitad que murió enfrente a sus ojos buscando una realidad que no iba a encontrar. Y eso a Cobb le es imposible que lo deje en paz, por el impacto profundo y emocional que se enterró en su mente.

Mal: You keep telling yourself what you know. But what do you believe? What do you feel?

Cobb: Guilt.

Según Nolan, para Cobb la culpa es el ingrediente sentimental para no dejar ir aquello que te atormenta. Tal vez por ese sentido de culpabilidad, deseas recordar y atrapar tanto en tu mente a la persona amada, tal vez, inconcientemente, tu sufrimiento por recordarla es una expiación de los “pecados o errores” que cometiste o sentiste que hiciste. En el caso de Cobb fue muy claro, aunque sin propósito, porque el deseaba lo mejor para su esposa. ¿Aunque quien no cree que está haciendo lo mejor y al final no resulta lo que esperabas? Pero si lo reflejamos para la vida real, ese sentimiento de culpa que atormenta, es por la incapacidad de sentir que las cosas pudieron ser diferentes, que pudieron ser mejor, que algo se pudo haber hecho para que las cosas no pasaran de esa forma. La culpa de que las cosas que se hicieron no fueron la decisión correcta y ya no se puede hacer nada para remediarlo. Más que simplemente aceptarlo.

Mal: You’re waiting for a train. A train that will take you far away. You know where you hope the train will take you, but you can’t be sure. But it doesn’t matter because we’ll be together.

Las experiencias vividas con un ser amado (en este caso, puede ser esposa, novia, amigos o padres) son una de las más esculpidas en el mármol emocional, ya que, cuando estas experiencias se terminan por alguna u otra razón, el recordarlas no es sino una rutina dolorosa por el hecho de que los sueños y recuerdos, donde estos todavía existen porque los sentimos, de confrontan con la realidad, donde la persona con que vivimos esos momentos, ya no lo está.

Cobb, para seguir sintiéndola “viva”, cerca o real, se refugia en sus sueños, en sus recuerdos para mantener vivo ese sentimiento hacia Mal (que me pregunto si Nolan le habrá asignado a propósito ese nombre como referencia al rol de villana que desempeña en la película). Pero tarde o temprano, con ayuda de Ariadne (que como me gustaría ver algún tipo de sidekick o Robin femenina en la próxima de Batman), se tiene que dar cuente que mantener los recuerdos así, será más perjudicial para si mismo y para su equipo que le rodea.

Ariadne: Are these the ‘experiments’ you do every night? You’re trying to keep her alive, aren’t you? You can’t just create a prison of memories. Do you really think that could contain her?

Porque llega un punto en que esos recuerdos que cada uno valora, ya no son controlados por uno mismo, sino que ellos mismos nos controlan. Por lo tanto, es contraproducente seguir manteniéndola viva en la mente. A pesar de todo lo que culpable o sentimientos que uno pede tener hacia ella en el pasado. Al final, casi le cuesta la vida al equipo de Cobb.

Cobb: I can’t stay with her anymore because she doesn’t exist.

Mal: I’m the only thing you do believe in anymore.
Cobb: I wish. I wish more than anything. But I can’t imagine you with all your complexity, all you perfection, all your imperfection. Look at you. You are just a shade of my real life. You’re the best I can do; but I’m sorry, you are just not good enough.

Y en cierta forma, en el caso de la película, murió literalmente, aunque esto se puede aplicar a otros tipos de perdida. Simplemente, la persona que ya sólo vive en tus recuerdos, ya no existe más en tu vida real. Sencillamente, como bien escribió Nolan para la boca de Cobb, es solo una sombra de lo que realmente es verdadero. Una imitación que no vale la pena seguir teniendo en cuenta.

Esto también se puede aplicar en el plano cinematográfico. Para los que conozcan la Alegoría de la caverna de Platón, saben que existe un mundo real y un mundo “de las sombras”. Así aplica en el cine como que lo que vemos en pantalla, a pesar de lo real que nos haga sentir, no es más que una imitación de la realidad. Que la verdadera vida no está en lo que vemos en frente de nosotros en la pantalla, sino lo que está a nuestro alrededor.

Pero volviendo específicamente a Cobb y al caso de la pérdida, a pesar de todo lo que deseemos por seguir manteniendo ese recuerdo que nos satisface y atormenta a la vez, uno no puede dejar de aceptar la realidad. Y en la que en ella, ese recuerdo no está más.

Cobb: I miss you more than I can bear, but we had our time together. I have to let you go.

Esa palabra que Cobb dice, culpa, es clave. Una culpa que quema y que corree. Un sentimiento de desesperación por hacer algo, pero en realidad, ya no se puede hacer nada.

Y a pesar de todo lo que amamos o sentimos por esa persona que se fue, lo mejor que uno puede hacer para uno mismo, es “dejarla ir”. Suena muy trillado, pero aplicarlo en la práctica es realmente difícil. Dejar escapar ese sentimiento de culpabilidad por lo que no hiciste, dejar ese grado de amor por lo que viviste y mirar hacia delante por lo que si tienes, por lo que es real.

Here’s looking at you, kid

Crítica Videoclub: Mystery Team

Puntuación: Excelente.

Mystery Team es una película completamente de corte independiente que hizo cierto ruido en el Festival de Sundance de este año y que se caracteriza por tener como base sólida un guión extremadamente divertido fundado y desarrollado sobre un humor negro y unas actuaciones extravagantes y bien desarrolladas. Es una verdadera lástima que no haya tenido una distribución en nuestro país como merece.

La cinta es una delicia que como apreciador de los chistes de doble sentido bien acoplados a la historia (no meterlos de cajón por el simple hecho de alburear) y de situaciones hilarantes no paré de reírme en casi toda la película. Se tarda en arrancar con buen ritmo, sobretodo por los pesados que pueden resultar los integrantes del “Equipo Misterio” pero que con el tiempo y por las ocurrencias que les suceden no pude evitar sentir simpatía por ellos.

Mystery team es acerca de tres chavos que tienen un club de detectives desde niños para resolver los casos como de quien se robo la bicicleta de alguien o quien metió el dedo en el pay. Pero como dichos casos ya no es tan divertido resolverlos ya de mayores, el cariño o “respeto” que se le tenía al equipo siendo niños, no es lo mismos ya crecidos. Por lo que tienen que encontrar un caso que esté a la altura de su edad o capacidades.

Entonces es cuando llega el dichoso caso estrella. Encontrar quienes mataron a los padres de una tierna niña y la clásica girl in distress (papel tomado por Aubrey Plaza que la veremos muy pronto y masivamente como la arrogante Julie Powers en Scott Pilgrim vs. the World). Y es aquí el primer problema de la película, porque a pesar de su género chistoso, es imposible pasar como algo irrelevante o sin dolor la muerte de unos padres. Sobre todo si fue al día siguiente y la cero exhibición de sentimientos de las hijas. Un eslabón débil de la premisa que afortunadamente para “El Equipo” queda olvidada con el transcurso de la película.

Y es que lo que parecía una comedia de detectives dirigida también para el público infantil, de un momento a otro, cuando los integrantes del equipo tienen que ingresar a un “Club de Caballeros”, se torna en una comedia burlesca y con un tono negro que ya no deja escapar. Y se le agradece. Porque esa combinación de ingenuidad de los protagonistas con las situaciones en las que se presentan y desarrolla la historia es oro puro dentro del género cómico y lo mejor visto este año por un servidor.

Hablando de los protagonistas, este trío de cómicos cada uno con su determinada personalidad, el maestro del disfraz (Jason – Donald Glover), el niño genio (Duncan – D.C. Pierson) y el muchacho más fuerte del pueblo (Charlie – Dominic Dierkes) están totalmente creíbles y brillantes. Todos lucen por igual. Pero especialmente el primero, con lo ocurrente de sus disfraces y las imitaciones de voz que hacen se olvida de los errores de la trama

Se nota el esfuerzo y la pasión que le metieron a este proyecto con verlos. Y digo eso, porque no sólo participaron como actores protagónicos, sino también como los creadores de la historia y del guión.

Este está dotado de un buen ritmo entre los chistes y la resolución del caso. Donde cada escena está debidamente ligada a la siguiente. Se puede notar un poco forzoso el desarrollo de la historia por las coincidencias de las pistas, pero ese detalle igual se pierde por la gran interacción entre el trío de detectives.

También resalta el “Cameo” u homenaje hacía la película de Clerks. Sobre todo por el actor que encarna al que atiende la tienda, Bobby Moynihan, que es una calca del personaje Dante de la película de Kevin Smith interpretado por Brian O’Halloran. Justamente yo caí en la cuenta de que estaba haciendo un Cameo o algo parecido, pero checando la ficha, me di cuenta que es un doble con un parecido sorprendente.

Como discurso de los creadores, rodeada de tan buenos gags y chistes, está el paso inevitable que tenemos que dar hacia la madurez. Que a pesar de nuestros anhelos por quedarnos en esa época dorada (para algunos claro está) que es la infancia, hay que dar ese paso adelante. Igual y dejando restos de lo que somos aunque se vea inmaduro para los demás. Otro punto importante es la amistad entre los protagónicos. Aunque no sean perfectos y te desesperen o alejen de ti, y aunque resulte muy simplón la forma en como lo exhiben y en como yo lo redacto, los amigos que se cuentan con la palma de tu mano, son los únicos que te harán sentir bien contigo mismo. Es un lazo irrompible.

Leyendo su ficha del cast en la IMDB, tanto el director, como el productor (prometida del director), los protagonistas, que también fueron los guionistas, son de igual forma los productores ejecutivos. Así como Donald Glover fue el creador del tema o tonada de la película. Esto hace ver como una cinta Home made del cual ignoro de donde sacaron el financiamiento para hacerla decentemente.

La producción completa

Lo importante que aquí demuestra la producción, es que teniendo un buen guión y unos actores en estado de gracia, el trabajo girará sobre ruedas. No quiero decir que aspectos como la fotografía son secundarios o sin importancia, pero que las bases para una buena película son esos. Al menos el equipo de Mystery Team lo ha comprobado con creces.

Veredicto: Esto es lo que debió haber sido Kick-Ass. Hilarante comedia de humor alburero y negro. De lo mejor que he visto este año. Lástima que tuvo distribución cero en México, pero no pierdan la oportunidad de rentarla cuando puedan. Su tiempo libre y buen humor se los agradecerá.

Crítica Cartelera: Abel

Puntuación: Regular

Abel tiene esa aura de película mexicana con cierto grado de carisma, dotado más que nada por su novel director que está detrás de cámara. En este caso del mundialmente conocido (y respetado sobretodo fuera del país) Diego Luna. Que no sale en ningún momento en la película, es de agradecer, lo cual creo yo le da una seriedad necesaria para su debut.

Sin embargo, a pesar de todo el marketing que esta película pueda tener respecto a la figura que la representa, queda como un ejercicio flojo que si se empeña por mejorar el recién estrenado director de ficción, puede mejorar en muchos aspectos.

La cinta, como la puntuación que me pareció, es regular. No tiene fallos graves, al contrario, el guión está bien escrito, sin grandes alardes para contarnos una historia de paciencia y mucha sensibilidad. Pero tampoco logra dar ese salto para que quede grabada en nuestras retinas y la función pueda marcarnos algo en la cabeza. Simplemente, una película más.

Como no podía ser de otra forma, lo que más sobresale en la cinta son las actuaciones. Desde la chica de “tenemos un papá pirata”, Geraldine Alejandra como Selene y Karina Gidi como Cecilia, la mamá de Abel, están muy bien dirigidas por el actor ahora director. Pero el que para mi sobresale entre todos los demás es José María Yazpik como Anselmo al crear, interpretar y encarnar un personaje de diferentes matices como machista, mujeriego, irresponsable, alcohólico, pero en cierta medida tierno y que a pesar de todo, un amor ínfimo por los hijos. Bueno, al menos lo reconoce y se “preocupa por ellos” mientras “está en casa”. Fácilmente el mejor de todo el ensamblaje de actores en pantalla.

Aunque la mayor atención recae sobre por el también debutante, Christopher Ruíz-Esparza que representa a Abel. No quiero decir que se lleva la película, para mi ese es Yaspik, pero la verdad es que el niño tiene una credibilidad bárbara y que lo guían por un buen camino y le siguen dando trabajos de buena calidad, podríamos estar ante el despertar de un grandísimo actor. Aunque eso también decían de Haley Joel Osment y ya muchos saben a lo que llegó el chamaco. Nada.

Lo paradójico del asunto es que la actuación del niño Christopher es totalmente creíble como un papá sustituto justificado por su enfermedad conductual pero que raya en lo desesperante y en ocasiones ridículo. Se supone que algunas situaciones están allí para hacernos reír de una condición grave y poder identificarnos más, que es la incapacidad del niño de ser bueno, eso, un niño. Pero Abel se comporta como un padre preocupado pero llegando a lo autoritario y metiche. Fue muy difícil para mi lograr empatía con el papel de Abel como el “padre” de la familia.

Lo mejor de la película

Por un lado, esto parece indicar que la imagen más común acerca de los padres es el de un ser mandón y machista. Situaciones como las de “Cecilia, sírveme” de seguro estaban guardadas e su subconsciente y por lo tanto actuaba de esa manera. Lo curioso o preocupante es que la señora y los demás integrantes de la familia lo tomaban como lo más normal del mundo. Esa idea de familia como “macho dominante, proveedor y rey y los demás princesas y príncipes (o en el pero de los escenarios, servidores)” no va mucho conmigo. Sobretodo por el contraste del personaje de Cecilia una mujer luchona que tiene que ver de que manera le hace para sacar dinero y pagar la medicina de Abel.

Por el otro, la situación de Abel y su entorno, a pesar de lo extravagante y chocante de su comportamiento, es una muestra clarísima de lo que es tratar con un niño con ciertas actitudes autistas. Más con el hecho de ser una familia de madre soltera. Es aquí el único lugar en común donde siento compasión por la situación de Abel, pero más por Cecilia. Si de paso vivir de una manera agradable y digna en este país para una familia de escasa educación (como la gran mayoría) está cañón y a eso sumarle de un esposo que abandona a su familia, súmenle la difícil situación de tener un niño de esa personalidad.

Pero veo yo allí un triunfo del guión pero falta de (mucha) fuerza por parte de Diego Luna para hacer una película más impactante que denunciara el machismo y dar más de si para hacer conciencia de la situación de niños como Abel.

Buen intento, pero no quiero ver el ambiente que Diego Luna pudo propiciar  en el set. Como una fiesta entre los actores para hacer algo amigable y agradable para la gente, en lugar de algo penetrador.

Pero a pesar, se ganó el derecho de la duda para su siguiente producción. Esperemos lo mejor en calidad y no sólo vender por el nombre.

Veredicto: Una película amigable, para todo público pero que podía dar para mucho más. Se que es la primera cinta del señor Luna, pero la situaciones que Abel atraviesa hacen un poco dificil la asimilación con lo que le pasa. Por lo tanto, la empatía es más dificil de lograr e importarnos más de lo que le sucede al personaje principal. Y eso no está nada bien cuando el título de tu película es el de tu actor protagonista.

Gráfica Informativa de Inception: Intento de explicar la trama de la película

Realmente interesante y que intenta simplificar bastante la trama de la última película del señor Nolan acerca de los sueños y las ideas que nos definen.

Para los que la historia de El origen se les hizo rebuscada, está grafica probablemente se les hará más. Pero uno que otro despistado que entendió algo como yo nos servirá como buena guía del turismo onírico. Veamos la imagen primero:

Bueno, empezcmos. Recordemos que según Cobb (el alter-ego de Nolan y que se medio fuma ese discurso acerca de los sueños) al Arquitecto (Arqhitect) necesita crear el mundo para poner la mente del Objetivo (Target) en ese mundo y el lo llenará con su subconciente. Además como Cobb  es el mismo extractor (Extractor), algo así como que mete la idea, tiene que llenarlo con el suyo también para interactuar con el del Objetivo, que es Fischer.

El Turista (Tourist) está alli para, como su nombre lo dice, pasear y verificar la diversión, que termina por meterse al Limbo por su inexperiencia en el campo de batalla.  El Apuntador (The Pointman), no se muy bien que función tiene además de ser compinche o ayuda del Extractor. El Falsificador (The Forge) es aquel que engaña al Objetivo para que afecte a sus emociones y la idea que desean implantar puedar ser creíble y recibidas por este. El Químico (Chemist) es el que crea e introduce el suero para dormir al Objetivo.

Teniendo claro los roles del equipo, el primer nivel del sueño es el de Yusuf, el Químico. Lo llena igual forma con su subconciente (como el extractor y el Objetivo) y esa e la razón porque está lloviendo fuerte, porque tiene ganas de orinar y así lo refleja en su mente.

Luego, se pasan a la mente de Arthur, el Apuntador. Este es un hotel y donde se realizan las mejores escenas de acción no sólo de la película sino de lo que va del año. Como es su sueño, Arthur se tiene que quedar “despierto” y cuidar a los demás integrantes que duermen para pasar al siguiente nivel, el tercero, del sueño, que es el de Eames, el Falsificador, y allí revelar la idea que se les fue asignada como misión.

En la infancia de Eames debió ser muy fan de James Bond y sobre todo de la película On Her Majesty’s Secret Service (1969), porque la construcción y desarrollo de su sueño es muy parecida a la de esa película. Es allí  donde tiene que ser descubierta la idea por el mismo James que le implantaron y cambie por completo su manera de ver y percibir su alrededor.

Pero algo sale mal, Fincher es herido y entonces tienen que dirigirse hacia el sueño de Cobb (y es alli la parte más fumada y donde me pierdo de la trama un poco) para salvarlo.

Y a partir donde todos salen con su respectiva patada. Ariadne y Fischer mueren en el cuarto nivel y  se despiertan en el tercero. Luego, estos, más Eames se mueren en ese nivel y despiertan en el segundo, que es el de Arthur. Despiertan y Arthur activa la bomba para fallecer y despertar con el sueño de Yusuf por la “patada” de la camioneta estrellada en el río y así que James sienta todo como un mismo sueño y tenga grabada la idea de disolver el imperio de su padre.

No me pidan explicar lo del Limbo porque me pierdo, para ser honesto. Pero en una segunda revisada lo tendrá un poco más claro.

Al final amigos, esto es una película de acción y espionaje, que hay que ir de punto A a B y C y luego regresarse a cada uno para sobrevivir. Simple y sencillamente una trama lineal. Pero muy bien condimentada con hipótesis acerca del subconiente, los sueños y las ideas que nos dominan y definen.

Visto en: Film Drunk

Crítica Videoclub: “The Damned United” (El Nuevo entrenador)

Puntuación: Buena – Muy buena

El fútbol está lleno de historias mágicas o de tragedia, historias inspiradoras de personajes como en otros ámbitos de la vida. Y la historia de The Damned United habla de uno de los personajes más carismáticos y relevantes del fútbol ingles. El entrenador más famoso de las islas: Brian Clough.

Brian Clough fue un hablador. Un hombre que abría su boca demasiadas veces (y que tenía un carisma para elaborar frases inmortales espectacular). Pero podía darse el lujo de hacerlo porque era un ganador nato. Pero el guión de Peter Morgan (basado en la novela del mismo nombre, y que espero conseguir en México, de David Peace) no abarca la época de mayor gloria del señor Clough (interpretado eficazmente por el cada vez más popular Michael Sheen), sino del preámbulo de esta, cuando el entrenador tuvo el encargo de dirigir a Leeds United en 1974. El Leeds United era el equipo a vencer en ese entonces (principios de los 70’s y con un juego realmente sucio) y comparable en poder con el Manchester United, Liverpool y Chelsea de hoy en día. Actualmente se encuentra en segunda división inglesa.

Real y actor - Verdadero y sombra

La relación de Clough con los jugadores del Leeds fue muy tensa, más que nada por la efervescente rivalidad entre Clough y el anterior entrenador Don Revie, que los jugadores del Leeds le seguían teniendo efecto y lealtad. La película marca como pauta el estado actual del Brian Clough en el Leeds con flashbacks acerca del ascenso triunfal de éste con su anterior club, el Derby County, y de la razón de se de la rivalidad de ambos entrenadores.

Pienso yo algo así como si José Mourinho le dieran la oportunidad de entrenar al FC Barcelona (que ya casi ocurría antes de desencantarse por Pep Guardiola) ya después de todas las declaraciones hechas estando en el Chelsea y luego de vencerlos con todo su polémico discurso en las semifinales de la Champions League.

A pesar de lo interesante del intervalo de la vida de Clough en ese momento, se siente más como un homenaje televisivo a una reflexión acerca de lo que la ambición excesiva del señor Clough. Aunque también da evidencia de la sincera y profunda amistad que este tenía con su Primer asistente, Peter Taylor, encarnado por Timothy Spall.

Creo que para que un hombre, por decirlo de una manera, “triunfe en la vida”, debe de tener dos polos opuestos para motivarlo. Una mano derecha o mejor amigo para guiarlo y ayudarle a tomar mejores decisiones. Y un némesis que se inspire o motive para superarlo. O al menos eso es lo que Peter Morgan y el director Tom Hooper desean mostrarnos.

Peter Morgan, el guionista y adaptador de la novela, tenía 10 años en los éxitos del Derby County y estaba en plena pubertad (que es en donde se inicia el gusto apasionado por el fútbol o cualquier deporte) en los momentos de gloria del Nottingham Forrest y de Brian Cloguh. No dudo que esto podría ser un sincero afecto para un ídolo de juventud. O simplemente para alguien que como apasionado pambolero, admira profundamente.

Y la dirección de Tom Hooper es correcta cuidando mucho los planos y ángulos de la fotografía, siempre intentado hacer la mejor toma, con gran uso de la profundidad de campo y la regla de tres. Y no sólo como planos aislados para “verse bonito”, sino como una idea de belleza en el filme. Con mucho oficio podría decirse, para alguien que ha desarrollado su trabajo sobretodo en televisión.

Creo que queda algo a deber esta cinta respecto a la imagen de Clough, es más como una introducción, una iniciación a una de los más grandes de la historia del fútbol. Y es aquí donde deseo aportar mi granito de arena, proponiendo investigar más acerca de los logros de este señor fútbol. Este reportaje de Diarios de fútbol es un excelente inicio. De allí, espero que cada uno volemos por nuestra propia cuenta en su comprensión.

Todos recuerdan a los jugadores, pero pocos lo hacen con aquellos que los motivan para que den lo mejor de si. No se si Brian Clough fue el mejor, pero si al menos uno de los más colosales. Vale la pena conocer su historia.

Veredicto: Correcta adaptación que va más para el homenaje a la figura que para reflexionar acerca de ella. No obstante, conocer su historia es un must de todo aquel amante del balompié y de las historias de cómo los pequeños ganan las grandes batallas.

Taylor y Clough

The Avengers: El Dream Team o los Galácticos marca Hollywood

La Comic-Con de San Diego está en su máximo apogeo en estos dias y con ellos sale a la luz noticias que causan revuelo universal tales como ver el cast completo de la película de Los Vengadores de frente al público. Aquí la imagen:

De izquierda a derecha: Robert Downey Jr (Iron Man), Clark Gregg (SHIELD Agent Coulson), Scarlett Johansson (Black Widow), Chris Hemsworth (Thor), Chris Evans (Captain America), Sam Jackson (Nick Fury), Jeremy Renner (Hawkeye), Mark Ruffalo (Hulk), Joss Whedon y productor Kevin Feige.

Está de moda en estos tiempos aglutinar en tu equipo deportivo a las mejores estrellas del marcado, se piensa que apra tener mejor calidad en el equipo y con ellos ganar mayor cantidad de campeonatos. El caso mñas sonado y reconocido es el del Real Madrid con sus astros Cristiano Ronaldo y Kaká como estandartes. Últimamente los Miami Heat con la adición de Chris Bosh y Lebro James a la ya estrella del equipo Dyane Wade se desea crear otra dinastía para ser el rival a vencer.

Bueno, con los Avengers, es lo mismo pero en el cine. La cuestión en esos casos no es dudar del talento individual de cada uno de los miembros sino de la capacidad del director técnico para poder crear un grupo que funcionen en la cancha. Y con tantos astros en pleno estrellato como Downey Jr, la reciente inclusión de Mark Rufallo como Hulk y Samuel L. Jackson veremos si acaso el director casi desconocido Joss Whedon puede hacer carburar a estos actores.

Lo importante no es tanto el nombre de los actores que participen en la producción, eso ayuda más para dar la sensación de producto glamoroso y así obtener ganancias inmediatas más no perdurables. Aunque ayuda a fin de cuentas. Lo importante es ener un director talentoso (y a veces dictador) para que lleve a buen puerto una obra artística y que sea reconocida a lo largo de los años como parte suya.

Ya veremos, al menos como producto emrcadológico y de planeación está siendo un hitazo. Ya veremos…

Visto en: Legends og the Dork Knight

Inception en Cinemark Plaza Real: Crónica de un muy mal sueño.

Como ya saben el estreno de Inception (aquí titulada como El Origen y que pueden ver mi crítica aquí) fue más parecido al de una película Indie que el de un Blockbuster de escala mundial. Esto se debió a que según cuentan, Cinepolis y Cinemex se pasaron de aborazados al querer cobrar más porcentaje de la taquilla por esa película. Warner Bros no quiso que se pasaran de listos y en vez de aceptar las peticiones de las exhibidoras, decidió estrenarla a una escala más pequeña y ya para luego arreglar el asunto con esas cadenas un poco más con calma.

Entre esos cines selectos para el estreno esta la franquicia de Cinemark.  Yo siempre he tenido una buena imagen de esa cadena. A excepción de la cafetería que te venden lo normal, palomitas y demás, las salas y las proyecciones siempre han sido de buena calidad. Especialmente en Cinemark Plaza Real. El cual ese fue el cine al que quise ir para ver el dichoso estreno.

No tenía ni la más remota idea de lo que estaba por suceder.

Dentro de la fila, normal. Yo sabía que por ser pocos cines, Plaza Real era el más conocido y de más estatus dentro de la sociedad regiomontana. También estaba el Río 70, pero ese es más por nostalgia. La travesía comenzó justo al querer comprar las botanas. Yo quería un hot dog y la fila estaba decente. Después de poner a prueba mi paciencia con personas que escogen su comida justo cuando ya están en la caja (uno hasta tuvo la decencia de hablar por celular para saber que es lo que deseaba su esposa) llego con la finalidad para pedir mi “perro caliente” y al observar al gerente meter salchichas frías al calentador me doy a la idea de que no tendré mi hot dog. Y me pregunto – ¿por qué no son precavidos y se preparan con tiempo para que nunca deje de haber salchichas calientes? – En fin, eso fue lo de menos, solo un signo de frustración.

Lo ridículo fue la continuación. Dirigiéndome a la sala (número 6 función de las 9:40 P.M.) después de mi fallida misión a dulcería, me voy dando cuenta que una ola de gente se salía de la función sin saber yo la razón de eso. Preguntando a un hombre que vi que salió de la sala sólo me alcanzó a responder – Está en español-. Un expresión de – WTF! – atravesó mi mente instantáneamente. Para los que me conocen, saben que soy un defensor inalcanzable de la películas con su idioma original y que no vería una película de este tipo doblada a mi idioma natal. Y si, mi boleto decía función subtitulada. Me dirigí de igual forma donde los demás se conglomeraron para exigir una explicación.  Después de un par de minutos el gerente sale diciendo que hubo un error en la copia y que dentro de 10 minutos se arreglará el problema. La función en si  comenzó pasadas a las 10.

Como prometió, la copia subtitulada fue la que nos proyectaron y no hubo problemas por casi 2 horas desde iniciada la función. Hasta que, en el momento de la secuencia final, y cuando el clímax estaba en su esplendor, los focos de la sala se prendieron y con ello la pantalla de plata se inmutó en un blanco fulminante. Mi reacción sólo fue la de reír por lo absurdo y surrealista (muy ad hoc con la premisa del filme, como si estuviera teniendo un mal sueño) de la situación. Tres minutos pasaron y la función se reanudo y yo entre la sensación de indignación y decepción por saber que esto repercutía en la sensación que tendría sobre la película.

Como bonus track, justo al concluir la película y en que los créditos darían inicio, de nuevo, como deja vu, las luces encendidas y la pantalla completamente en blanco. Una falta de respeto total hacía el público que dio su dinero para poder disfrutar un espectáculo sin ese tipo de contratiempos y distracciones.

Parece ser que a Cinemark, por lo menos en Plaza real, le quedó grande el zapato. Debieron de tener una planificación para este tipo de situaciones extraordinarias, ya que eran de las pocas salas que iban a recibir a una abarrotada cantidad de gente para ver una de las películas más esperadas del año.

Lástima. El daño no fue tan grande como para nunca más ir a ese cine (no como Cinepolis Garza Sada). Demasiado buenos recuerdos tengo de él todavía. Pero una cosa es segura. Ahora pondré adelante al Río 70 para visionar un estreno tan esperado por encima de Cinemark.